RockPV

dopORQUESTRA6 - puntata 8

2010-05-06T03:19:00.008+02:00

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.8 - Girone I

L'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE, presentato da Alberto Zeffiro, musicista e filologo musicale e per la regia di Provini Lastrica Federico; ospiti in studio Simone Caffi, presidente e direttore di RockPV e Giuseppe Tosi della Pro-Loco di Santa Maria della Versa (PV).

In questa puntata:

UNDER STATIC MOVEMENT - www.myspace.com/understaticmovement

YOUNGER SYSTEM - www.myspace.com/youngersystem

BIAN.CO - www.myspace.com/biancoband

ELETTRA - http://www.myspace.com/elettraofficial

Assolutamente da non perdere; tanta musica e tanto divertimento solo per VOI!

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

Recensione - CHRISTINE PLAYS VIOLA

2010-05-03T19:55:00.005+02:00

CHRISTINE PLAYS VIOLA
Useless to See Beyond 2010 Provenienza: L’Aquila
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. Admire a new Demis

2. The Parchment Sand
3. Four steps in your hole
4. Witch of Silence

Line Up:

Massimo: Voce

Fabry: Chitarra

Desio: Basso

Daniele: Batteria

Christine Plays Viola è una formazione dark-wave nata a Pratola, in Abruzzo, nel 2007.

Il loro EP, “Useless to see beyond”, riassume in sole 4 tracce le caratteristiche fondanti di questa band.

Il genere proposto dai quattro abruzzesi, ovvero la matrice più dark del più ampio e strutturato calderone New Wave, non è certo tra i più facili da presentare di questi tempi: un po’ perchè della wave anni ‘80 sono rimasti i cocci rotti (vedi ad esempio gli ultimi deludenti lavori dei Cure), un po’ perchè è una scelta musicale che poco o nulla ha a che fare con le tendenze mainstream (seppure attualmente anche band di successo come gli Editors stiano provando a far rivivere quelle sonorità).

Tuttavia la Wave rimane un genere musicale molto variegato, che consente di far convivere i più differenti slanci creativi (si pensi solo ad alcune categorie musicali da cui è composto: post-punk, goth, synth-pop, industrial) e di creare ancora oggi un progetto dalla buona sostanza sonora. I CPV dimostrano di riuscire a fare proprio questo: intendiamoci, non inventano nulla di propriamente nuovo, nondimeno riescono ad essere creativi rielaborando personalmente il territorio musicale nel quale si muovono con maestria.

Gli ingredienti principali sono le tonalità malinconiche, mai fini a sé stesse né esasperatamente fosche, ma sempre al servizio dell'intenzione comunicativa dei brani: i suoni si aprono a momenti di luce o si perdono in un’oscurità “romantica”, non necessariamente drammatica. Questo perenne chiaroscuro è il tratto principale della musica dei CPV.

L’EP si apre con Admire a new Demise, brano cupo dalla lunga introduzione (distorsioni sonore, accenni di percussioni, frammenti di voci sovrapposte, echi e riverberi) che prepara al cantato di Massimo, solenne e evocativo. La seconda traccia, The Parchment Sand, è la più vicina al sound dei Depeche Mode: melodica, dal ritornello accattivante, un eccellente gioco di luci e d’ombre.

Four steps in your hole, dal titolo grottescamente equivoco, è sofferta, dolcemente inquieta, col suo basso sincopato e le sue atmosfere che ricordano "Pornography" dei Cure. Chiude il disco Witch of Silence, probabilmente la traccia più bella e più completa: validissime le scelte ritmiche, un’ottima ricerca melodica, un pezzo che smuove gli animi dei nostalgici degli eighties.

Se dovessimo dare un consiglio ai CPV saremmo davvero in difficoltà, come accade quando ci si trova di fronte a band dall’elevatissimo livello tecnico-artistico: di certo la loro bravura merita un supporto sonoro migliore della registrazione artigianale di Useless to See Beyond, se non altro per godere meglio delle sovraincisioni, degli effetti riverberati e dell’evocatività della loro musica. Se registrato in studi professionali, l’EP trascinerebbe in una dimensione d’ascolto ancora più piena e profonda.

Esibizione live:

I CPV si sono esibiti al Birraio di Siviglia, nell’ambito della Thunder Rock League di Orquestra 6.

Sin dalle prime note sono stati in grado di creare una loro personalissima dimensione live: un’esibizione drammatica, nel senso migliore del termine, carica di tensioni emotive fortissime. Misurati nella glacialità delle loro maschere bianche, i CPV hanno sedotto l’audience come poche band sono riuscite a fare nel contest quest’anno. Questi 4 ragazzi abruzzesi sanno comunicare col pubblico pur rimanendo fermi (salvo qualche convulsione spasmodica da parte del chitarrista) nella loro algida impenetrabilità. Arriva anche il momento in cui ci si leva le maschere, si guarda in faccia il proprio pubblico, perchè il brano lo richiede, per onestà intellettuale, per umiltà.

Se della New Wave rimanevano solo i cocci rotti, i Christine Plays Viola sono molto bravi a ripararli.

Voto: 98/100

Voto live: 9

Leonardo Verzaro

2010-04-19T02:11:00.011+02:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.7 - Girone H

L'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE, presentato da Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare e per la regia di Provini Lastrica Federico; ospiti in studio Simone Caffi, presidente e direttore di RockPV, Alberto Zeffiro, musicista e filologo musicale e Giuseppe Tosi della Pro-Loco di Santa Maria della Versa (PV).

In questa puntata:

HARDEVILS (Pavia) - METAL
http://www.myspace.com/hardevils

FATTY CHAOS (Torino) - ROCK/SCREAMO/ALTERNATIVE
http://www.myspace.com/fattychaos

PHERSEPHONE (Cuneo) - ROCK/POST PUNK/ALTERNATIVE
http://www.myspace.com/phersephonerock

EFFETTO LOTO (Como) - ROCK/SKA/ALTERNATIVE
http://www.myspace.com/effettoloto

Assolutamente da non perdere; tanta musica e tanto divertimento solo per VOI!

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

Recensione - PIQUED JACKS

2010-04-14T21:36:00.005+02:00

PIQUED JACKS
SORRY NEIGHBOURS
2009
Provenienza: Pistoia
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. The Elect, I'm not
2. 1,2... 8
3. To the animal soul
4. Klide... (if you can run)
5. Petals Floating
6. Ariadne's Thread
7. Halloween Pumpkins
8. Tear of star
9. Of my hot heart
10. Grandpa

Line Up:
Matteo - Batteria
Andrea - Voce
Francesco B - Basso
Francesco C - Chitarra

I piqued jack's sono una formazione giovane proveniente da Borgo a Buggiano in provincia di Pistoia.

Ci propongono un disco Funk di 10 brani, che si presenta subito con una copertina disegnata a mano, quasi a mostrare il lato autoironico della band e allo stesso tempo una geniunità non da poco.

Il disco è registrato con una qualità sufficiente, non curatissimo per quando riguarda la qualità dei signoli strumenti, ma con una discreta pasta sonora. I musicisti si dimostrano abili e perfettamente integrati tra loro e senza protagonismi deleteri contribuiscono in maniera positiva allo sviluppo ritmico/melodico, tanto da rendere tutti i pezzi compatti e con un ottimo "tiro".

Il disco parte subito a mille, facendoci intuire il mood funk del disco. I pezzi si snodano quasi sempre in territori funk ma si possono apprezzare anche rare aperture verso sonorità più rock e alternative rock. Il punto forte del disco sta sicuramente nel grande gusto musicale e melodico che rende ogni pezzo gradevole, valido dal punto di vista degli arrangiamenti e al contempo molto orecchiabile e di facile fruizione per tutti.

Il disco, se da un lato mostra una band veramente valida e centrata e decisa sul percorso musicale da intraprendere dall'altro mostra anche una dipendenza da quelle che sono le soluzioni musicali tipiche del genere (basta citare i Red Hot Chili Peppers per capirci) ed in questa direzione una critica costruttiva che si può rivolgere alla band è quella di provare a staccarsi un po' di più dalla "nave scuola" che sono i RHCP e provare a coltivare i piccoli spunti di alternative rock che già in questo disco sono presenti.

Esibizione live:
I Piqued Jacks si sono esibiti al Carlito's Way Domenica 21 Marzo In occasione del girone F di Orquestra. Si sono distinti vincendo il girone, e conquistando giuria e pubblico con il loro stile scanzonato e con un'energia sul palco veramente unica, ottima anche l'esibizione dal punto di vista tecnico, eccenzion fatta per l'incoveniente della scordatura della chitarra, che però non ha fermato lo show di questi ragazzi scatenati.

Voto: 78/100
Voto live: 9

Simone Giorgi

dopOrquestra6 - puntata 6

2010-04-01T01:04:00.014+02:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.6 - Girone G

Martin Landau - Reggio Emilia http://www.myspace.com/martinlandau

Flavio Botto & the Jack's Obsession - Pavia http://www.flaviojack.com/
Ipnoteca - Milano http://www.myspace.com/ipnoteca

Christine Plays Viola - l'Aquila http://www.myspace.com/christineplaysviola

Assolutamente da non perdere; tanta musica e tanto divertimento solo per VOI!

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

dopOrquestra6 - puntata 5

2010-03-26T23:35:00.008+01:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.5 - Girone F

Mandrake Root - Massa Carrara http://www.myspace.com/wearemandrakeroot

Piqued Jacks - Pistoia http://www.myspace.com/thrilledtobits
Demon's Gate - Pavia http://www.myspace.com/demonsgateband

Hi-Fire!- Pavia http://www.myspace.com/thehifire4

Assolutamente da non perdere; tanta musica e tanto divertimento solo per VOI!

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

Recensione - JUST ADD MELODY

2010-03-21T18:34:00.005+01:00

JUST ADD MELODY
Noisy Lullabies
2008
Provenienza: Genova
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Zerodieci

Tracklist:
1. Carillon
2. In her gaze
3. Spineless
4. Red
5. Wakin’ Up

Line Up:

Silvia Criscenzo: Voce

Massimiliano Costacurta: Chitarra

Gregory Meini: Chitarra, cori

Ivano Masnata: Basso

Daniele Riotti: Batteria

L’indie-rock alternativo dei Just Add Melody da Genova ha certamente qualcosa di affascinante: è chiassoso e raffinato al contempo, gode di arrangiamenti freschi e ben articolati e trova il suo punto di forza nella buona tecnica dei musicisti e nella voce suadente e pulita di Silvia Criscenzo, molto brava a muoversi su registri vocali differenti.

La prima delle 5 “ninne nanne rumorose” è “Carillon” e proprio con questo suono si apre il secondo demo dei JAM, una rock-ballad in cui le chitarre costituiscono un ottimo tessuto sonoro, potente e dolce. “In her gaze”, il secondo brano, comincia con scrosci di pioggia, sotto i quali Silvia sussurra le prime note: la canzone spicca per la sua ricercatezza e, stilisticamente, potrebbe essere stata scritta e cantata da Siouxsie in persona (il timbro vocale di Silvia, infatti, la ricorda moltissimo).

“Spineless”, introdotta da un cigolio di porta e dalla risata sbarazzina della cantante, ha un ottimo attacco che ricorda i pezzi più grottescamente dark dei Cure, ma perde tutto il suo fascino quando si indirizza su sonorità pop-rock che forse snaturano l’idea originaria. In realtà lo stesso si può dire di “Red” (molto belli i riff di chitarra), ma il refrain è piuttosto banale e sa di già sentito (Lacuna Coil). Il pezzo di chiusura, “Wakin’Up”, ha qualcosa in più (Silvia dà il meglio dal punto di vista vocale) ma si distacca di poco dai due brani precedenti.

I Just Add Melody non si riflettono solo in questi 5 brani: il loro repertorio, è composto anche dalle 3 canzoni dell’ EP “Shall We Become Crazy?” (2007), che abbiamo avuto occasione di ascoltare dal vivo e che forse sono ancora più interessanti e originali rispetto a “Noisy Lullabies”, album un po’ troppo convenzionale per le potenzialità di questa band (“memento audere semper” consiglierebbero i latini).

Esibizione live:

Dal vivo i JAM hanno saputo aprire con grinta e personalità il Girone E di Orquestra 6 (Domenica 14 Marzo al Carlito’s Way): Silvia è un animaletto da palcoscenico. Autoironica, scatenata, sexy e tecnicamente ineccepibile, il suo appeal sul pubblico è qualcosa a cui difficilmente si può resistere. Tutto ciò servirebbe a poco se i suoi compagni suonassero male e non è certo il loro caso: l’esibizione ha messo in luce una grande padronanza tecnica, precisione e cura per i suoni, energia da vendere.

Voto: 78/100

Voto live: 8,5

Leonardo Verzaro

DOPORQUESTRA - IL TORMENTONE

2010-03-20T14:25:00.006+01:00

Dopo il successo scaturito dal Dop-Orquestra, va di scena il tormentone che ha segnato l'ultima puntata, e che sarà il tormentone ufficiale dell'intero ORQUESTRA 6!

...PERCHE' CHI E' SENZA PECCATO...

...GIATTI IL SESSO!!!

La Redazione

dopORQUESTRA - puntata 4

2010-03-19T13:05:00.013+01:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.4 - Girone E

TERZA PUNTATA dell'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE, presentato da Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare e per la regia di Provini Lastrica Federico; ospiti in studio Simone Caffi, presidente e direttore di RockPV, Alberto Zeffiro, musicista e filologo musicale, ed Elena Vibi, coordinatrice dello staff di Orquestra.

In questa puntata:

Just Add Melody - Genova http://www.myspace.com/justaddmelody

Senso Inverso - Milano http://www.myspace.com/sensoinverso
Mercuryo Cromo - Bergamo http://www.myspace.com/mercuryocromo

Flow - Pavia http://www.myspace.com/followtheflow

Assolutamente da non perdere; tanta musica e tanto divertimento: "un binomio molto facile", solo per VOI.

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

Report - GIRONE D

2010-03-17T20:42:00.005+01:00

ORQUESTRA 6
Thunder Rock League

GIRONE C
7 Marzo 2010

BAND IN GARA:
The End (PV)
Paradiso Degli Orchi (BS)
Akronimia (AL)
Belfast (BG)

In questa nuova domenicainvernale, ritorna per la quarta volta, Orquestra6, l'Alternative Rock Contest nominato il migliore d'Italia, con le proprie band indipendenti che infiammano queste fredde notti.

L'ormai consueta premessa della serata va alla voce fuori campo più invasiva d'Italia; quella del patron dell'Associazione Culturale ed Etichetta Discografica Indipendente Orquestra, Fabiano Moda, che da il via alle danze presentando così l'orrendo ibrido di presentatori, quali Leonardo Verzaro, altresì voce di Radio Popolare, e Alberto Zeffiro, storico volto musicale pavese.

Dopo il classico rito del sorteggione, la sorte propone per l'ennesima volta, la quarta consecutiva dall'inizio del contest, un ordine di esibizione che propone le band pià distanti, affrontare per prime la folla del Birraio di Siviglia, e questa volta, oltretutto, viene proposto un ordine veramente particolare: troviamo infatti un derby molto acceso, il primo di questa edizione del Festival, una sfida Brescia/Bergamo, rappresentati da "Il Paradiso Degli Orchi" e "Belfast", che ha il sapore di una grande sfida; a seguire Akronimia, e a chiudere, i The End.

La serata inizia, come nel girone precedente, con l'ansia dell'errore tecnico, che vede protagonista ancora una volta, come già successo in passato con As Likely As Not e Ironix, la strumentazione. Dopo pochi minuti, questa volta conteggiati dal cronomentro presente in giuria, la prova de "Il Paradiso Degli Orchi". Questa prima band offre al pubblico una prestazione veramente ad alti livelli, sia dal punto vista tecnico che compositivo, offrendo dimostrazione di una grandissima abilità tecnica, una grandissima coscienza compositiva, lasciando intuire al pubblico presente in sala, su che toni si mette la serata. La band bresciana offre un repertorio abbastanza eterogeneo, proponendo elementi del pop/rock (il brano "Margherita" ne è esempio), alternativo e a volte anche psichedelico, con una menzione speciale per il secondo brano proposto "My Sofa", sicuramente il brano più significativo della band, e il brano che ha suscitato più entusiasmo nella giuria tecnica dall'inizio del contest ad ora.

Seconda band in gara, a delineare ancora di più il livello il livello veramente alto di questo girone sono i Belfast, band proveniente da Bergamo, che però propone un repertorio molto "made in England", che riesce a toccare tutte le sfaccettature del pop/rock britannico, dalle atmosfere oniriche di Coldplay, Keane (con l'aggiunta delle chitarre) e Mogwai, a ritmi più serrati e atmosfere più "tese" dei Muse. I Belfast, nonostante non abbiano evidenziato durante la prova, un'eccelsa propensione alla "sorpresa" (elemento portato da una struttura ben delineata dei brani, che però caratterizza ogni pezzo presente in scaletta), hanno saputo dimostrare il loro valore, portando in scena un repertorio in cui non è spiccata la loro abilità tecnica, ma una grande precisione ritmica e dei suoni veramente chiari, a cui sono da aggiungere canzoni sicuramente già ascoltate, ma di indiscusso valore artistico.

Terza band di scena sul palco del Birraio di Siviglia, sono gli Akronimia, band proveniente dalla provincia di Alessandria. Gli Akronimia possiamo sicuramente definirli la seconda band tipicamente di matrice pop fin qui incontrata in concorso, dopo i Marilunari (MI). Certamente la band più "anziana" in gara, che però ha saputo giocare bene, per quanto riguarda il giudizio della giuria, il ruolo di Outsider di questo girone. La band alessandrina ha il suo punto forte nella voce chiara e delicata di Elisa, che ha ricordato molto in certi frangenti Anna Oxa nelle movenze e nell'espressività, punto a favore che purtroppo, nonostante un'indiscussa capacità tecnica, non riesce a trovare la sua massima espressione nel resto della band, penalizzata da suoni poco chiari, con un'effettistica riguardante soprattutto la sezione chitarre, da migliorare molto.

Ultima band ad esibirsi in questa quarta domenica di contest sono i The End, band "di casa" proveniente dalla vicina Voghera. I The End propongono un pop/rock classico senza pretese o alchimie particolari, ottimamente proposto ed eseguito. I The End dimostrano sul palco un grande affiatamento, riuscendo a coinvolgersi e a far coinvolgere il pubblico, creando una singeria particolare che ha permesso a questa band di dare quel "tocco in più" alla propria esibizione.

I The End, a sottolineare ancora più nettamente il grado di coinvolgimento che hanno saputo creare in sala, hanno saputo conquistare il record assoluto di voti aggiudicatisi dal pubblico, totalizzando ben 123 punti, somma che ha fatto in modo, insieme all'algoritmo speciale ideato dall'organizzazione e spiegato dal regolamento ufficiale del concorso, in cui i voti di giuria e pubblico vengono miscelati per decretare il vincitore, di sbaragliare la concorrenza, e aggiudicarsi la vittoria finale, e ipotecando un posto al M.E.I. (Meeting delle Etichette Indipendenti) di Faenza nel Novembre 2010.

Seconda band classificata i bresciani "Il Paradiso Degli Orchi", a discapito di "Belfast" e "Akronimia".

Particolarità di questo girone è stato sicuramente il grado di preparazione delle band in gara, e la qualità tecnica e compositiva espressa, in particolare da Belfast e Paradiso Degli Orchi su tutti, ma nonostante un verdetto segnato dal voto popolare, possiamo ammettere che è stata comunque una vittoria che può non essere condivisa da tutti, ma certamente meritata.

Simone Caffi

Recensione - IRONIX

2010-03-17T20:17:00.003+01:00

IRONIX
Ironix
2003
Provenienza: Pavia
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. Wings
2. Why do you live
3. Red dancing shoes
4. Abortion

Line Up:
Alessandro Cattaneo – Voce, chitarra
Marta Bordoni – Basso
Serena D’Alpaos – Batteria

Gli Ironix sono una grunge band pavese, nata nel 2002 come cover band da una passione che accomunava tutti e tre i componenti. I ragazzi hanno poi deciso di cimentarsi nella composizione di pezzi propri.

Tra i tanti live si sono esibiti in vari locali, feste della birra, dell’unità e inoltre all’UMF (University Music Festival) di Pavia, con i vicini di casa Noiseful Bastards e alla Festa di Primavera 2009 di Mezzana Corti insieme a numerose band locali..

I quattro brani che ci presentano sono caratterizzati da una ruvidezza sonora che ricorda i primi Nirvana di Bleach.

Il timbro di voce è a volte deciso e incisivo, come in “Wings” (oltretutto candidata come miglior testo), a volte più pacato e malinconico.

Domina inoltre la batteria, potente E squadrata, e gli insistenti riff di chitarra.

Il confronto con band anni ’90 del calibro di Nirvana e Alice in Chains è inevitabile e per loro probabilmente è anche un complimento.

L’affiatamento della band è notevole, così come la loro voglia di mettersi in gioco e di non arrendersi mai, anzi di continuare per la loro strada nonostante le critiche.

Ebbene sì, le critiche ci sono soprattutto perché molta gente pensa che il grunge sia ormai morto, che sia stato solo una corrente passeggera degli anni ’90.

Invece no, il grunge è vivo più che mai e gli Ironix ne sono una delle più evidenti dimostrazioni.

È vero, non brillano per originalità ma è anche vero che, oltre alle cover band, non ci sono molte band di questo genere che fanno pezzi propri e per gli amanti del genere non possono che essere una benedizione.

Esibizione Live:
Gli Ironix si sono esibiti in occasione del girone C di Orquestra 6 al Carlito’s Way, classificandosi quarti per la giuria.

Voto: 65/100
Voto Live: 6

Alessandra Maggi

DOP-ORQUESTRA - PUNTATA 3 - GIRONE D

2010-03-13T22:10:00.009+01:00

DopORQUESTRA 6
"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n.3 - Girone D

Orquestra 6 - Thunder Rock League, vi da appuntamento, oltre che sulle pagine di RockPV.it, anche nel primo salotto della musica indipendente, per un momento "giù dal palco" che non ha precedenti.

Per la prima volta Orquestra 6 - Alternative Rock Contest, premiato come Miglior Festival Indipendente Italiano 2009, l'Associazione Culturale Orquestra e la redazione musicale di RockPV vi danno appuntamento al primo TALK SHOW sulla vostra musica e sulla musica del contest Orquestra 6 - Alternative Rock Contest - Thunder Rock League.

Nel video che segue potrete assistere alla TERZA PUNTATA dell'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE, presentato da Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare e per la regia di Provini Lastrica Federico; ospiti in studio Simone Caffi, presidente e direttore di RockPV, Simone Giorgi, vicepresidente e redattore di RockPV, Alberto Zeffiro, musicista e filologo musicale, e Marco Gallo, Booking Manager direttamente da Orquestra.

In questa puntata:
IL PARADISO degli ORCHI - Brescia
BELFAST - Bergamo
AKRONIMIA - Alessandria
THE END - Pavia

Assolutamente da non perdere: tanta musica e tanto divertimento "non con la luna ma con il sole", solo per VOI.

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

Recensione - IL PARADISO DEGLI ORCHI

2010-03-13T12:04:00.003+01:00

IL PARADISO DEGLI ORCHI
Il paradiso degli orchi
2009
Provenienza: Brescia
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Noise Studio

Tracklist:
1. Intro
2. Where is the light?
3. Margherita
4. My damned Mind
5. Remember
6. Panic Station

Line Up:
Sambrici Michele - Voce, chitarra
Marco Degiacomi - Batteria, voce
Andrea Corti - Basso
Iran Fertonani - Percussioni

Il Paradiso degli Orchi è una band proveniente da Brescia e attiva dalla primavera del 2007, che ci presenta un demo autoprodotto (e rimasterizzato nell'ottobre 2009) di sei tracce.

La qualità globale del lavoro è da definirsi buona, sia per la qualità sonora che per la tecnica di esecuzione.

Le sei tracce proposte nel disco possono definirsi "pop" nella migliore accezione possibile: alle ottime melodie (un plauso particolare all'intreccio sempre ben congegnato delle due voci) si affiancano arrangiamenti sempre azzeccati.

Le note positive del disco non si esauriscono qui: il demo non solo manifesta un ottimo lato pop ma attinge anche nell'indie rock e nella concezione di alternative di matrice Radiohead, producendosi non in sterili canzonette melodiche ma in opere dalla struttura più complessa
(un esempio su tutti i cambi di tempo ossessivamente belli di Panic Station)

Da citare anche la scelta particolare dell'intro: non un intro strumentale, ma all'opposto un brano parlato in italiano (a differenza di tutti gli altri brani, cantati in inglese) che ha proprio il compito di presentare la band e trascinare l'ascoltatore nel paradiso degli orchi.

In conclusione ci troviamo di fronte ad un lavoro dalla buona fruibilità e dall'eccelsa qualità del gruppo, un progetto che comprende la sterilità musicale dei nostri tempi e cerca di portare anche sonorità pop/indie/rock ad un livello compositivo più elevato.

Esibizione live:
Il paradiso degli orchi si è esibito al Birraio di Siviglia in occasione del girone D dell'alternative rock contest di Orquestra Domenica 7 Marzo. La band si è dimostrata ottima anche in sede live portando alle orecchie del pubblico un suono molto compatto e ben studiato, risultando come la maggior parte delle band valide meglio dal vivo che su disco. Il paradiso degli orchi ha raggiunto il secondo posto della classifica globale, ma guadagnandosi un giudizio ottimo da parte della giuria tecnica.

Voto: 87/100
Voto Live: 9

Simone Giorgi

Recensione - BELFAST

2010-03-13T11:54:00.005+01:00

BELFAST
H
2009
Provenienza: Bergamo
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Cifra Studio

Tracklist:
1. Never Wild
2. Spleen
3. Leaves have fallen
4. Down Below
5. Long Kesh
6. Belfast
7. Lubim Ta

Line Up:
Paolo Ghidini: Voce, Chitarra
Stefano Maffeis:Basso
Paolo Nava:Piano, synth, theremin
Herman Cavariani: Batteria e percussioni

I Belfast da Bergamo nascono nel 2007 dalla loro comune passione per il brit-rock.

Passione che traspare subito dalle note del loro disco omonimo, un concentrato di pop-rock all'inglese dalle atmosfere sognanti e rarefatte.

Belfast è un progetto che muove i suoi passi dall'indie-rock dei Killers,passando per i Coldplay, approdando a melodie in stile Athlete e ad arrangiamenti che ricordano molto quelli dei Mogwai.

Entriamo nello specifico di questo bel demo d'esordio: la prima traccia, "Never Wild", ha un tono molto lirico, si appoggia ad una melodia travolgente, che si apre a bagliori di luce nel refrain; un ottimo biglietto da visita per aprire l'album.

"Spleen" è invece un pezzo più canonico e ritmato, cantato magistralmente da Paolo Ghidini, la cui voce è in generale versatile e completamente a suo agio con vocalizzi impervii e falsetti.

Il terzo brano, "Leaves have fallen", ha un impianto più rockeggiante (soprattutto nell'utilizzo delle chitarre), ma non si perde mai di vista il gusto per melodie romantiche e squisitamente pop; la coda del pezzo è davvero emozionante.

"Down Below", con introduzione di piano, sorprende per la sezione ritmica che lavora su tempi composti, per poi divenire più regolare nel ritornello forse poco efficace se confrontato al resto del brano.

Atmosfere meno solari in "Long Kesh", brano che ricorda inizialmente i Radiohead, per poi aprirsi ad un ritornello dal sapore quasi grunge; nel finale la voce dialoga con la batteria, in un alterco che risolve lì dove la chitarra aveva cominciato.

"Belfast", vera e propria dichiarazione programmatica della band, è un sunto della loro modalità espressiva; la batteria lavora quasi unicamente su tom e timpano, il basso è avvolgente, le corde della chitarra sono sfiorate dolcemente, i synth e le tastiere arricchiscono la coda strumentale, dandole sostanza.

"Lubim Ta" chiude il disco con una tenera lettera d'amore in musica, a metà tra Kings of Convenience e Bright Eyes; semplice, minimale (chitarra, voce, qualche nota di pianoforte) e proprio per questo bellissima.

Un ottimo esordio quindi, piacevole all'ascolto, senza troppe pretese; ascoltando i Belfast si ha una sensazione di genuinità, di sincerità d'espressione, di leggerezza (l'album è inoltre tecnicamente ben registrato e non si percepiscono sbavature di sorta).

Una breve menzione merita infine l'artwork della demo, realizzato da Perro Creatures e che si avvale di disegni e collages in stile anni '50, con testi scritti a mano e una cover sleeve che presenta la H del titolo disegnata su una lavagna nera; originale e del tutto in linea con le atmosfere della band.

Esibizione live:
I Belfast hanno suonato Domenica 7 Marzo al Birraio di Siviglia, Girone D della Thunder Rock League di Orquestra.

Un'esibizione di alto contenuto, che ha colpito molto la giuria e il pubblico con le suggestioni emotive che la band riesce perfettamente a trasmettere.

Voto: 88/100
Voto live: 8

Leonardo Verzaro

Recensione - KNOCK OUT

2010-03-06T21:21:00.006+01:00

KNOCKOUT
For M.E.I.
2009
Provenienza: Modena
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Slide studio/Autoprodotto

Tracklist:
1. Intro
2. Never Said
3. Not Now
4. Imagine My Way
5. Word Up (Cameo's Cover)
6. Drinkin' Love
7. Fly Away
8. My Friend
9. Get Out!
10. Not Now (Unplugged)

Line Up:
Lakmal Dinayadura – voce
Marco Monari – chitarra
Simone Bettuzzi - basso
Nicolò Garagnani - batteria

Il suono di onde e una grancassa aprono il disco proposto al Meeting delle Etichette Indipendenti di Faenza 2009 dai Knockout, band modenese ispirata al rock anni '90 stile Areosmith e Guns & Roses. La band si propone (come dalla biografia su Myspace) di rielaborare questo genere in chiave moderna per riportare il pubblico alle atmosfere di ormai quindici anni fa. Il tentativo è riuscito solo in piccola parte.

Già dalle prime note di Never Said la sensazione di essere negli U.S.A. della presidenza Clinton è forte. Lak (come è soprannominato il cantante) tira subito fuori una voce potente e precisa, acuta ma non sguaiata. Le atmosfere si rilassano quindi con Imagine My Way, ballata emozionata, ma non troppo particolare, nella quale la chitarra di "Monna" esplode nel finale tra suoni tipici di chitarristi come Joe Perry.

Drinkin' Love segue la cover Word Up e parte con un reverbero quasi fastidioso che accompagna sia batteria che voce, anche durante il ritornello caratterizzato da archi e cori, che abbelliscono notevolmente il pezzo, altrimenti veramente poco originale.

FLy Away e My Friend non innalzano sicuramente il livello di originalità: i due pezzi sono l'apoteosi dell'hard rock di fine anni '80.

Chiude il disco Get Out, ballata acustica accompagnata da una chitarra dalle sfumature blues veramente azzeccate, che devia in un rock piacevole e forse un po' più personale delle altre tracce.

Ci troviamo di fronte ad un disco registrato in maniera quasi impeccabile, sia per i suoni che per la tecnica di esecuzione dei quattro ragazzi.
Eppure è evidente che, nonostante ci sia il tentativo di modernizzare il genere rock anni '90, i pezzi sono ancora troppo ancorati a licks ed espedienti che non fanno altro che rendere le canzoni una copia sbiadita (ma assolutamente ben eseguita) dei capolavori che tanto hanno ispirato il gruppo.

Esibizione Live: Appurata la bravura dei ragazzi in studio, i Knockout sanno il fatto loro anche sul palco, come hanno dimostrato nel girone C della Thunder Rock League tenutosi al Carlito's Way di Retorbido il 28 Febbraio: il grande carisma di Dinayadura si è fatto sentire e tutti i presenti hanno apprezzato le doti tecniche di questa band.
Ancora una volta il genere e i pezzi eseguiti hanno penalizzato i modenesi, che sono arrivati al terzo posto per la giuria.

Voto: 72/100

Voto Live: 8

Alessandro Favale

DOP-ORQUESTRA - PUNTATA 2 - GIRONE C

2010-03-06T15:08:00.013+01:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"

Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n. 2 - Girone C

Orquestra 6 - Thunder Rock League, vi da appuntamento, oltre che sulle pagine di RockPV.it, anche nel primo salotto della musica indipendente, per un momento "giù dal palco" che non ha precedenti.

Per la prima volta Orquestra 6 - Alternative Rock Contest, premiato come Miglior Festival Indipendente Italiano 2009, l'Associazione Culturale Orquestra e la redazione musicale di RockPV vi danno appuntamento al primo TALK SHOW sulla vostra musica e sulla musica del contest Orquestra 6 - Alternative Rock Contest - Thunder Rock League.

Nel video che segue potrete assistere alla SECONDA PUNTATA dell'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE, presentato da Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare e per la regia di Provini Lastrica Federico; ospiti in studio Simone Caffi, presidente e direttore di RockPV, Simone Giorgi, vicepresidente e redattore di RockPV, Alberto Zeffiro, musicista e filosofo musicale, e Marco Gallo, Booking Manager direttamente da Orquestra.

In questa puntata:
AS LIKELY AS NOT - Sondrio
KNOCK OUT - Modena
IRONIX - Pavia
GRIEVER - Pavia

Assolutamente da non perdere: tanta musica, tanto divertimento e tanto "sale & pepe", solo per VOI.

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

REPORT - ORQUESTRA 6 - GIRONE C

2010-03-05T22:22:00.005+01:00

ORQUESTRA 6
Thunder Rock League

GIRONE C
28 Febbraio 2010

BAND IN GARA:
Ironix (PV)
Griever (PV)
Knock Out (MO)
As Likely As Not (SO)

Terza serata della Thunder Rock League, che per il sesto anno infiamma i palchi dell'intera provincia di Pavia.

Come già preannunciato nei precedenti appuntamenti con il report ufficiale del contest, ci si aspettavano numerose novità nei gironi a venire, e così è stato; tanta musica da raccontare, tante storie Rock'n'Roll sulle quali discutere, e tante polemiche alimentate ancora in cerca di risposte e spiegazioni.

Sicuramente il Girone C dell'Alternative Rock Contest d'Italia rimarrà impresso a lungo come il "girone dei cattivi", nel quale principalmente la giuria tecnica ha avuto molte occasioni per potersi confrontare e per poter dare giudizi inflessibili sulle prove degli artisti in gara.

Si parte in un clima già surriscaldato a causa, a parte della temperatura caraibica presente nel locale, del ritardo con cui la voce fuori campo del "Gialappa" Fabiano Moda, scandisce i primi momenti della serata.

Dopo la presentazione dei due "mattatori" simbolo delle serate di Orquestra6, si parte con il sorteggio dell'ordine di esibizione delle band in gara, che, per l'ennesima volta, vede tra le prime due band ad aprire la sfida, le due band che arrivano da più lontano: As Likely As Not, band Metal-core da Sondrio, e Knock-Out, band Pop/Rock da Modena, giunti sino a qui grazie alla collaborazione storica tra l'Associazione Culturale Orquestra, e la (ex) Associazione modenese affiliata ARCI, Solorobanostra; a seguire, Ironix, band Grunge da Pavia, e Griever, band di casa, anch'essa proveniente dalla provincia pavese, precisamente da Voghera.

Band di apertura di questo nuovo girone, sono gli As Likely As Not, band Metal-Core proveniente da Sondrio. Nonostante i problemi tecnici che fanno presagire un inizio in salita per la band valtellinese, causa un cambio di microfono, i quattro metallari si dimostrano all'altezza della situazione, gestendo il guasto durante l'esibizione con la freddezza e con la calma che solo una band con comprovata esperienza riesce a mantenere; degno di nota soprattutto il cantante, che nonostante i continui vai/vieni della propria voce a causa del microfono guasto, è riuscito a mantenere una linea vocale "pulita" (considerando il genere musicale) e precisa.

Seconda band in concorso a presentare il proprio repertorio sono i Knock Out, direttamente da Modena, giunti sino al palco di Orquestra6 grazie alla collaborazione tra l'Associazione Culturale pavese e l'Associazione modenese Solorobanostra. Il quartetto emiliano mostra sin da subito una forte attitudine al palco, dimostrando una grande sicurezza dei propri mezzi; sicurezza che viene rappresentata nel modo più esemplare dal proprio cantante, forte del suo carisma e della sua voce potente e precisa. La band porta in scena un repertorio tipicamente pop/rock, che sfocia nell "classica" e fin troppo prevedibile ballatona, propria di un clichè che sembra aver stabilito come una regola ufficiale, la presenza in scaletta di un brano puramente melodico. La presentazione da parte dei Knock Out di questa ballata è riuscita in qualche modo a condizionare l'attenzione del pubblico ed i giudizi della giuria tecnica, che si sono trovati di fronte ad un taglio drastico dei ritmi del concerto, prima alti e serrati, che vedevano protagonisti una band in grande forma, con il proprio frontman sotto il palco a cantare con la folla e (quasi) con la giuria, poi melodici e smielati, neanche lontanamente parenti dei pezzi vissuti fin'ora, e a dirla tutta, neanche di "alta caratura"; insomma, un taglio drastico di atmosfera che ha giocato a sfavore dei quattro rockers modenesi.

L'intermezzo della serata è formato dall'ormai consueto "caso Solorobanostra", e della chiusura di questa associazione che ha fatto della musica indipendente il suo Credo, e che non ha saputo trovare nelle band che inizialmente sembravano interessate al loro lavoro, quella spinta che sarebbe stata decisiva per dare finalmente una svolta all'ambiente musicale indipendente. Ospite della serata, nonchè presidente di giuria d'eccezione, Patrick Puddu, uno dei Patron dell'Associazione affiliata ARCI di Modena, al quale è stata consegnata una targa commemorativa da parte di Orquestra, per ringraziare simbolicamente lui, e tutto lo staff che ha collaborato con Solorobanostra in questi anni per permettere a tante band indipendenti di poter suonare dal vivo, e per aver scosso e incoraggiato i locali a "fidarsi" e a dare spazio ai gruppi originali. Purtroppo tante associazioni culturali, tra le quali Orquestra, si trovano a lottare con situazioni simili (vi invito a leggere il comunicato stampa di solorobanostra sul loro account di Facebook o sul loro Myspace), e solamente con la COOPERAZIONE tra realtà indipendenti, si può provare a trovare la strada per fare delle proprie aspirazioni, un terreno fertile.

Questo intermezzo rappresenta, per l'economia della serata, un "punto di rottura" netto tra ciò che è stato, e ciò che sarà.

Penultima band a calcare il palco del Carlito's Way, provenienti da Pavia, sono gli Ironix, anagramma (improbabile) di Nirvana. L'esibizione degli Ironix parte nel peggiore dei modi, creando sin da subito un distaccamento netto tra loro, pubblico, e giuria; protagonista un radicale calo di attenzione accentrato sul palco a causa di importanti minuti spesi per l'accordatura degli strumenti: due chitarre e due bassi, che comprendevano un cambio strumento a metà esibizione. La scaletta del terzetto pavese propone un repertorio monotematico, che si sviluppa sulla linea del basso profilo, che non presenta cambi nè di ritmi nè di tonalità, sia per quanto riguarda il punto di vista vocale, preciso ma senza personalità, sia dal punto di vista ritmico e sonoro, complice anche un'abilità tecnica, soprattutto riguardante la batteria, ancora distante dalla sufficienza; così come una presenza quasi "svogliata" sul palco, incapace di affiatare il pubblico e di dare energia. Sicuramente la band pavese ha fatto di sè il lato "peggiore" dei Nirvana, comunicando la parte "depressa" del Grunge; certo è, che ci vuole ben altro per riuscire a raggiungere livelli qualitativi adeguati in un contesto di NON-COVER band.

Nella tarda serata Oltrepadana di Orquestra 6, in quel del Carlito's Way, va di scena l'ultima band in gara: i Griever, anch'essi provenienti da Pavia. L'esibizione dei Griever viene prospettata sotto una luce particolare, con una band chiamata ad eliminare il gap creatosi nei confronti delle prime due band, ed una giuria desiderosa di sentire qualcosa finalmente di nuovo; cosa che i Griever, fieri del loro modo di definirsi post-rock senza fronzoli, prevedono di fare. In realtà ci troviamo ad assistere ad un'esibizione mediocre, non particolarmente degna di nota, a partire dalla sezione ritmica, con la presenza, ancora una volta, di una batteria spesso e volentieri fuori tempo; disagio che si è poi riflesso a catena sul resto della band. Certamente un'esibizione sotto gli standard del "buon gusto" musicale, incoraggiata e sorretta solamente dalla partecipazione di un folto gruppo di sotenitori, ma siamo fiduciosi che, grazie alla giovane età di questa band, venga seguito un intenso lavoro innanzitutto tecnico, e solo successivamente, contrariamente ad oggi, di puro divertimento sui pedalini.

La serata si è conclusa con la proclamazione della band vincitrice, gli AS LIKELY AS NOT, da Sondrio, che insieme a MARILUNARI da Milano e BREAK POINT da Pavia, avrà l'accesso diretto alle semifinali di Maggio, alle quali verranno abbinate anche le due band che giungeranno alle semifinali tramite la "wild card", che conquisteranno le due band che realizzeranno più voti da parte del pubblico.

Arrivederci alla prossima serata ufficiale con Orquestra 6 - Thunder Rock League; Domenica 7 Marzo, Birraio di Siviglia, Bressana Bottarone (PV), alla prossima puntata del TV-SHOW "DOP-ORQUESTRA", ed alla prossima edizione del report settimanale dedicato ad Orquestra6, solo sulle pagine di WWW.ROCKPV.IT

Simone Caffi

dopORQUESTRA - puntata 1

2010-03-04T11:09:00.015+01:00

DopORQUESTRA 6

"...giù dal palco"
Il Salotto della Musica Indipendente

Puntata n. 1 - Girone A & B

Orquestra 6 - Thunder Rock League, vi da appuntamento, oltre che sulle pagine di RockPV.it, anche nel primo salotto della musica indipendente, per un momento "giù dal palco", che non ha precedenti.

Per la prima volta Orquestra 6 Alternative Rock Contest, premiato come Miglior Festival Indipendente Italiano 2009, l'Associazione Culturale Orquestra, la redazione musicale di RockPV, vi danno appuntamento al primo TALK SHOW sulla vostra musica, e sulla musica del contest Orquestra 6 - Alternative Rock Contest - Thunder Rock League.

Al link seguente potrete assistere alla PRIMA PUNTATA dell'unico TALK SHOW della MUSICA INDIPENDENTE. Presentato da Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare, e ospiti in studio Simone Caffi, direttore di RockPV, Simone Giorgi, vicepresidente e redattore di RockPV, Alberto Zeffiro, musicista e filosofo musicale, e Marco Gallo, Booking Manager direttamente da Orquestra.

Buon divertimento con ORQUESTRA 6 e con la vostra MUSICA INDIPENDENTE.

Solo su

WWW.ROCKPV.IT

REPORT - ORQUESTRA 6 - GIRONE B

2010-03-02T22:35:00.011+01:00

ORQUESTRA 6
Thunder Rock League

GIRONE B
21 Febbraio 2010

BAND IN GARA:
Break Point (PV)
T.I.T. (VA)
Roverheart (PC)
DuraNoia (PV)

Dopo l'emozione e l'attesa per la tanto aspettata "sesta prima volta", e dopo il successo che essa ha riscosso, ritorna il festival indipendente dell'anno con il Girone B, una settimana dopo, ed in un nuovo locale, che fa della musica indipendente, la ricetta principale della sua popolarità nel territorio pavese: il Birraio di Siviglia.

Avviati verso il palco dall'immancabile voce fuori campo di Fabiano Moda, presidente e fondatore dell'Associazione Culturale in questione, e assistiti dalla cabina di regia da Federico "Chicco" Provini, anch'esso membro fondatore del brand Orquestra, ecco arrivare la nuova coppia di conduttori (in)stabili di questo contest: Leonardo Verzaro, direttamente dai microfoni di Radio Popolare, ed Alberto "Grinch" Zeffiro, anima ironico/filosofico/popolare della musica pavese. Si parte subito da un momento importantissimo per la logica del girone: il sorteggio dell'ordine di apparizione delle band, che in questo girone, il caso presenta l'ordine di provenienza delle band: T.I.T. (Varese), Roverheart (Piacenza), DuraNoia (Pavia), Break Point (Pavia).

La serata parte sotto le migliori aspettative, con una presenza di pubblico molto folta, accompagnata nel locale dalla novità che le nuove location e dal nuovo show ideato rappresentano, e dal livello della musica indipendente proposta, che per questa sesta edizione, si presenta molto alto, e soprattutto, con una spaccatura generazionale evidente; si passa infatti da band molto esperte, che da anni calcano palchi (vedi MARILUNARI, vincitori del Girone A, e T.I.T., presenti nel girone B), e band estremamente giovani, artisticamente e anagraficamente parlando, che muovono ora i primi passi, ma che hanno molto da dire (vedi Break Point e Roverheart, che si esibiranno in questa seconda serata).

Prima band ad inaugurare Orquestra6 sul palco del Birraio di Siviglia, che insieme al Carlito's Way rappresenta una delle due new entry della musica live ad alto livello nella provincia di Pavia, che hanno l'arduo compito di portare il testimone passato loro dallo storico Thunder Road; sono i T.I.T., acronimo oggetto di tanti dubbi e studi durante la selezione, durante la presentazione in diretta tv web del calendario ufficiale, e durante la settimana precedente l'esibizione; che si verrà poi a scoprire essere "Tapparelle In Tiro": acronimo portato da un simpatico espediente per accedere alla propria sala prove. L'esibizione della band di Varese fa subito capire che, se il livello della serata si dovesse mantenere su questi livelli, ci sarà da divertirsi. I T.I.T. propongono un repertorio eterogeneo, che spazia principalmente tra due grandi filoni: il rock melodico di matrice italiana, e il progressive; elementi che risulteranno essere una lama a doppio taglio nelle decisioni finali della giuria, che è stata impressionata dall'abilità tecnica dei propri componenti e dalla capacità di esprimere la propria musica sapendo "tenere il palco" ottimamente; ma che è stata spiazzata da una scelta melodica, per quanto riguarda la linea vocale, a volte troppo scontata, e da una divagazione forse eccessiva tra i due generi portanti.

Seconda band a salire sul palco per proporre la propria arte indipendente sono i Roverheart, direttamente da Piacenza. Questi giovanissimi ragazzi, che portano sulle spalle il "peso" dei loro 17 anni, propongono un rock'n'roll molto energico e maturo, figlio dei grandi classici del rock quali Led Zeppelin e Deep Purple su tutti, anche grazie all'uso molto arricchito dell'Hammond, ed uno studio approfondito della tecnica strumentale per poter proporre questo stile. Inizialmente un pò confusi dal punto di vista sonoro, sono riusciti a trovare la strada giusta per raddrizzare il loro parere verso la giuria tecnica, assolutamente entusiasta della coscienza tecnica e compositiva che la band ha espresso, della qualità della musica e dei testi ottenuti, e dello spettacolo proposto, con vestiti vintage dell'epoca, e con carisma e una passione naturale espressa al meglio sul palco. Veramente ottimi, e se consideriamo la loro età, c'è solo da aspettarsi una grandissima band per il futuro, dati margini di miglioramento veramente ampissimi.

Terza band a calcare la scena sono i Duranoia, terzetto proveniente dalla provincia di Pavia. I Duranoia rappresentano nel corso della serata una spaccatura completa rispetto a ciò che si è visto nelle esibizioni precedenti. Con il loro Alternative Rock, tipico della scena underground italiana di metà/fine anni '90, riconducibile principalmente ai Verdena, fatto da giochi di feedback, pedalini, e suoni ruvidi, fanno un po' fatica a trovare la giusta collocazione all'interno della serata; sembrano infatti metterci un po' di tempo pubblico e giuria, ad adattarsi a questo cambio radicale di atmosfera e sensazioni; melodiche e passionali prima, euforiche ed energiche poi, rispettivamente con T.I.T. e Roverheart. Il terzetto lomellino ha comunque dimostrato di essere assolutamente all'altezza dell'altissimo livello del girone proposto.

Quarta ed ultima band alla quale la sorte ha deciso di riservare il palco questa sera, sono i Break Point, che insieme ai Roverheart, costituiscono le band più giovani dell'intero contest. Il quartetto pavese, diventato tale da poco con l'inserimento della new entry Paolo Somenzini alle percussioni, dipinge per l'ennesima volta un'altro stacco, questa volta più lieve, nelle atmosfere e nei ritmi della serata, navigando su onde più tranquille, e permettendo a sprazzi all'ascoltatore di sognare in lampi di melodia riuscitissimi, proponendo la scaletta del loro album "Demodè", un intreccio di indie e post-rock, dal mio punto di vista uno dei migliori album pavesi del 2009, insieme al capolavoro "Low" dei vogheresi Musashiden. Unica pecca, che ha permesso ai giudici di rivedere le proprie votazioni, è un uso della voce ancora troppo approssimativo e sottovalutato, e sicuramente da migliorare, ma data anche per loro la giovane età, sarà una pecca che certamente verrà colmata con un adeguato studio, per rendere ancora migliore e definitivo il proprio lavoro.

Durante il corso della serata, abbiamo potuto assistere anche a sprazzi di spettacolo, con protagonisti, su tutti, la lettera/denuncia dell'Associazione affiliata ARCI, Solorobanostra, di Modena, che purtroppo chiude i battenti, a causa della mancanza di appoggio da parte delle band che (avrebbero dovuto) appoggiare il progetto. Purtroppo questa è una condizione che molte Associazioni di questo tipo passano, ma tutte le volte si spera che questo "malessere" (che si è generato oltretutto da un "malessere", ossia la mancanza di spazi per la musica indipendente), venga soppresso tramite la collaborazione tra le band e i musicisti interessati.

Prima della comunicazione dei voti finali, è stato emesso un verdetto dettato dagli astri, da una rivelazione divina auspicata dal cielo, e da un pendolino, che ha previsto la band vincitrice del girone successivo, il Girone C, che si terrà Domenica 27 Febbraio al Carlito's Way, al quale parteciperanno: As Likely As Not da Sondrio, che sono stati predetti come vincitori del girone, Grievers da Pavia, Ironix da Pavia, e Knock Out da Modena.

La serata si è conclusa con la vittoria finale dei Break Point, che andranno direttamente in semifinale a Maggio, seguiti a ruota da Roverheart, staccati di pochissimi voti, T.I.T., e Duranoia.

Concludendo, fa pensare il fatto che nel girone A abbiamo assistito ad un girone non di grandissima qualità, ma molto equilibrato, nel quale ha trionfato l'esperienza dei Marilunari; mentre questa sera si è presentato un girone di assoluta qualità, nel quale i primi due posti sono occupati dalle band più giovani dell'intera rassegna, e la band più esperta ha occupato la terza posizione.

Un segnale di risveglio da parte delle nuove generazioni?

Simone Caffi

Recensione - ROVERHEART

2010-02-28T19:23:00.002+01:00

ROVERHEART
Roverheart
2009
Provenienza: Piacenza
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. Wild Drive
2. Burnt fast love
3. (I can't see) The Rainbow
4. The Stranger
5. Speed Lover

Line Up:
Lorenzo Caravaggi: Voce, Chitarra
Dario Moretto:Chitarra
Lorenzo Moretto:Organo, Tastiere
Denis Cassi:Basso
Tome Stojanov:Batteria

I giovanissimi Roverheart vengono da Piacenza, nascono nel Dicembre 2008 e presentano la loro omonima demo composta da 5 tracce.

Questi cinque ragazzini (la loro età si aggira intorno ai 17 anni) dimostrano, sin dalle prime note del disco, di aver ascoltato e divorato tutto ciò che l'America del Rock ha prodotto tra la fine degli anni '60 e l'inizio dei '70.

Led Zeppelin, Doors, Jefferson Airplane, Deep Purple sono solo alcune delle divinità del rock alle quali i Roverheart si ispirano: il risultato è una riproposizione di quello stile, la rievocazione di un'epoca attraverso inconfondibili e trascinanti riff di chitarra, una batteria incalzante e a tratti potente nella sua semplicità e il magico suono dell'hammond.

La demo si apre con la zeppeliniana "Wild Drive", dalla melodia accattivante e molto adatta alle aperture nelle esibizioni dal vivo; "Burnt fast love" è meno incisiva ma spicca per un ottimo assolo di chitarra a metà brano e per le ritmiche di batteria; "(I can't see) The Raimbow", con introduzione di hammond, ricorda i brani più "lisergici" dei Doors per poi trasformarsi in un pezzo molto tirato ed energico (l'episodio più riuscito della demo); "The Stranger", un po' scontata, è la canzone più debole, mentre "Speedlover" ha un ottimo ritornello e colpisce per i cambi di tempo, per l'arrangiamento originale e per il susseguirsi di assoli hammond-chitarra molto ben orchestrati.

In conclusione, i Roverheart, pur mancando di originalità, non possono non stupire per la loro profonda cultura musicale, per il loro attaccamento alla Beat Generation e alla musica di quegli anni; certo, hanno molto margine di miglioramento, si nota infatti qualche imprecisione di troppo, ma lo spirito di questi ragazzi, indipendentemente dalla qualità audio di una demo completamente autoprodotta in studi tutt'altro che professionali, quello spirito di libertà che molti credevano morto per sempre, rivive nelle loro note.

Esibizione live:
I Roverheart si sono esibiti Domenica 21 Febbraio al Birraio di Siviglia, all'interno del girone B di Orquestra 6, confermando una buona tenuta del palco e dando vita ad un concerto potente e grezzo, nel senso più buono del termine; manca forse ancora un po' di carisma e di capacità di coinvolgere il pubblico, ma, quando le basi sono queste, si sa, si può solo migliorare.

Voto: 77/100

Voto live: 8

Leonardo Verzaro

Recensione - T.I.T.

2010-02-27T12:13:00.004+01:00

T.I.T
.. e così sia ..
2007
Provenienza: Varese
Etichetta: Autoprodotto
Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. Heavy
2. Immagini
3. Anima e tempo

Line Up:
Davide Frattini - Batteria
Marco Canziani - Basso
Luca Cappellato - Voce, chitarra
Andrea Canziani - Chitarra, cori
Carlo Talarico - Tastiere

I T.I.T. (acronimo dal significato rimasto segreto fino a poco tempo fa, che sta per "Tapparelle in tiro") sono una band di Varese attiva dal 1997.

Ci presentano un demo di tre brani, autoprodotto nel 2007.

Il disco si presenta con una produzione buona e di conseguenza una buona fruibilità; i brani si sviluppano in territori rock, guidati da innumerevoli influenze: il rock italiano su tutti, ma anche il classic rock, il progressive fino a spingersi nei territori più aggressivi dell'hard rock.

Gli arrangiamenti sono ottimi, si basano sull'esperienza musicale e sulle basi già consolidate del genere: nulla di innovativo dunque, ma un ottimo gusto ed un'altrettanto ottima gestione dell'equilibrio degli strumenti.

Il punto forte dei brani è proprio la compattezza sonora (da citare in particolare la ricchezza aggiunta dalle tastiere), la buona tecnica di esecuzione e l'immediatezza con cui i brani arrivano all'ascoltatore.

Una caratteristica non positiva del disco, a mio parere, è da ritrovarsi nella scelta delle linee melodiche della voce: seppur sostenute da un bravo cantante con un bel timbro le melodie spesso ricalcano progressioni melodiche già usate e abusate nel tempo (in particolare nel primo brano "Heavy") e rischiano di appiattire i brani rendendoli molto orecchiabili ma al contempo poco caratteristici.

In conclusione questo demo mette in luce un buon progetto rock, pieno di energia positiva, suonato molto bene ma a tratti non molto originale e personale.

Esibizione live:
I T.I.T. si sono esibiti al Birraio di Siviglia in occasione della seconda giornata di Orquestra 6, mostrando nel complesso un'ottima energia sul palco ed una grande coesione sia scenica che (cosa più importante) musicale, figlia di tredici anni di esperienza.

Voto: 70/100

Voto Live: 8

Simone Giorgi

Recensione - DURANOIA

2010-02-27T00:13:00.005+01:00

DURANOIA
DuraNoia
Provenienza: Pavia

Etichetta: Autoprodotto Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:
1. Metempsicosi
2. Aria
3. K-Pax
4. Buoni Propositi
5. Claustrofobia

Line Up:
Davide – Chitarra,voce
Stefano Ficagna – Chitarra
Davide Valenti – Basso
Enrico Zanellati – Batteria

I Duranoia sono una band indie-rock nata e cresciuta sul territorio pavese e ci presentano il loro omonimo demo di cinque tracce.

La produzione del disco è di qualità più che buona e le sonorità che percorrono la durata dell'album sembrano arrivare dalla fine degli anni '90, quando band italianissime del calibro di Marlene Kuntz, Verdena, e Afterhours su tutti, muovevano grandi passi sulla scena musicale italiana, senza dimenticare influenze riconducibili ai "primi" Timoria, passando anche da sonorità che trovano la massima espressione in brevi e fugaci impressioni Stoner, di concezione Kyuss.

Ai Duranoia non manca certo l’originalità, nonostante il loro sia un genere piuttosto diffuso, grazie alla loro abilità tecnica e ai testi per nulla scontati, nonostante le tematiche ricorrenti.

La voce decisa e incisiva trascina gli strumenti tra pezzi più tosti e cattivi come "Buoni Propositi" e "Claustrofobia" ed altri più malinconici come "Aria", oltretutto candidata dalla band come miglior canzone.

In conclusione, ci troviamo davanti ad una buona band, molto affiatata e piena di potenzialità che, ci auguriamo, potrà sviluppare sempre meglio in futuro.

Esibizione Live:
I Duranoia si sono esibiti domenica 21 febbraio al concorso Orquestra 6 presso il Birraio di Siviglia di Bressana Bottarone, arrivando ultimi, sia per giuria che per pubblico, anche se è stato soprattutto il voto di quest’ultimo a dimostrare che spesso, probabilmente, la gente guarda più all’abilità di coinvolgimento e all’originalità piuttosto che all'effettiva bravura.

Voto: 85/100
Voto Live: 9

Alessandra Maggi

Recensione - KAISHAKUNIN

2010-02-20T15:08:00.003+01:00

KAISHAKUNIN

Kaishakunin

2009

Provenienza: Bologna

Etichetta: Autoprodotto

Tracklist:

1. K1

2. K3

3. Human Lies

4. Seppuku

5. Holy Dirty Water

Line Up:

Marco Sammartino - Voce, chitarra

Luca Ferrara - Chitarra

Daniele Chirigoni - Basso

Riccardo Angius - Batteria

I Kaishakunin sono un gruppo proveniente da Bologna e formatosi nel febbraio del 2009. Prendono il loro nome dalla figura giapponese incaricata di alleviare la sofferenza del samurai suicida.

Il demo che ci presentano è composto di cinque tracce, registrate a pochi mesi dalla formazione del gruppo ma di discreta qualità e fruibilità.

Le sonorità che si sviluppano nel disco sono quelle di un rock semplice e diretto, sempre piacevole all'ascolto.

Il genere intrapreso dal gruppo è già stato usato e abusato per decenni, quindi non si può certo cercare in questo disco originalità nella proposta musicale. Vero, manca l'originalità, ma il resto c'è tutto: un'ottima sezione ritmica, chitarroni che trascinano ottimamente lo sviluppo del pezzo e una voce dal timbro particolare, sempre precisa e ottima nelle intenzioni.

Entrando nel dettaglio dei singoli brani K1 (candidata dal gruppo come migliore canzone) risulta forse la canzone manifesto del gruppo, canzone realizzata con buon gusto nella scelta melodica e che riesce a restare in testa al primo ascolto.

Altro brano degno di nota è la "lenta" Human Lies che si distacca un po' dalla vena rock'n'roll del gruppo regalando all'ascoltatore ad un momento di calma.

Il conclusione siamo di fronte ad una buona band, e an disco rock'n'roll, senza nulla di innovativo, ma con le solide basi del genere, molto ben pensato e divertente.

Esibizione Live:

I Kaishakunin si sono esibiti domenica 14 Febbraio al concorso Orquestra 6 arrivando secondi per la giuria ma dimostrando con un'esibizione molto coinvolgente che il gruppo è nato per le esibizioni live, non solo per una buona tecnica di base ma anche per l'ottima presenza scenica e il ritmo trascinante della loro produzione musicale.

Voto: 75/100

Voto Live: 9

Simone Giorgi

Recensione - MARILUNARI

2010-02-19T20:35:00.006+01:00

MARILUNARI

Marilunari

2006

Provenienza: Milano

Etichetta: Autoprodotto

Studio di registrazione: Autoprodotto

Tracklist:

1. Martedì

2. Quello che penso di noi

3. Follia Follia

4. Quello che penso di noi due

Line Up:

Marylou Zangir – voce, testi

Massimo Pellegatta – tastiere, pianoforte, Hammond, programmazioni

Criss Franceschetti – chitarre

Roberto Altrocchi – basso

Fabio Cerpelloni - batteria

I Marilunari sono una band milanese che nasce da un progetto musicale iniziato negli anni 90, che li ha visti suonare su palchi importanti come l’Idroscalo di Milano (1998) e il Motorshow di Bologna (1999).

Dopo aver intrapreso nuove strade come cover band, decidono di ricominciare a comporre nel 2004 e due anni dopo pubblicano un mini-cd omonimo, che presentano a Rockpv.

Il disco è stato interamente registrato nello studio/sala prove della band, ma i suoni sono estremamente buoni.

Le tracce sono quattro e la qualità è ottima.

Si parte con Martedì, dove la chitarra dal timbro rock di Criss Franceschetti accompagna la voce, calda e decisa. La canzone termina con un sintetizzatore che si ripresenterà spesso negli altri pezzi.

Quello che penso di noi è un brano molto più disteso rispetto alla traccia 1.

Un pianoforte elettrico (probabilmente un Fender Rhodes) definisce l’atmosfera eterea e rilassata che contraddistingue tutta la canzone e il testo, romantico e appassionato.

Le tastiere e i synth tornano ancora nel finale della seconda traccia, preparandoci alla canzone più accattivante del disco: Follia Follia.

Un basso pulsante trascina il pezzo, che ricorda i primi Matia Bazar, mentre la voce di Marylou è sempre più aggressiva con l’avvicinarsi del ritornello.

Decisamente la canzone migliore del cd, che si chiude con un riarrangiamento in chiave elettronica di Quello che penso di noi; ricordando spesso alcuni suoni tipici di Elisa.

In conclusione, nonostante non siamo di fronte a troppa innovazione, Marilunari è un lavoro molto ben riuscito, con tracce veramente valide caratterizzate da un pop rock piacevolissimo.

Esibizione Live: I Marilunari si sono esibiti nell’ambito della Thunder Rock League 2010 presso il Carlito’s Way di Retorbido il 14 Febbraio 2010, classificandosi al primo posto per la giuria. L’esibizione è stata veramente ottima. La carismatica cantante Marylou Zangir ha trascinato band e pubblico, riuscendo ad ottenere il consenso dei giurati. Complimenti a loro.

Voto: 83/100

Voto Live: 8

Alessandro Favale

Report - ORQUESTRA 6 - GIRONE A

2010-02-18T22:45:00.008+01:00

ORQUESTRA 6

The Thunder Rock League

GIRONE A

14 Febbraio 2010

Si riparte dalla ceneri del famoso Thunder Road di Codevilla, teatro di straordinari concerti dal 1993: ma anche di più modeste manifestazioni come appunto l’alternative-rock contest di Orquestra: The Thunder Rock League, nato proprio in queste storiche mura nel 2004.

E li è cresciuto, migliorandosi sempre più, fino alla quinta edizione, la cui finale ha coinciso con la chiusura definitiva del locale, il 14 giugno 2009, data che rimarrà per sempre nella storia e nel cuore di molti, scandita dalle note di "Thunder Road" di Bruce Springsteen, nella magica ed emozionante reinterpretazione di due artisti, che hanno dato tanto per il territorio pavese, del calibro di Marco Gallo e Leonardo Verzaro.

Orquestra 5 ha visto la vincita più che meritata dei MISSIVA, rock-grunge band di Brindisi, e ha inoltre avuto un importante riconoscimento al M.E.I. (Meeting delle Etichette Indipendenti) 2009 di Faenza: Festival indipendente dell'anno.

Orquestra ha inoltre portato al M.E.I. la band vincitrice più tre delle band che più si sono contraddistinte nella scena pavese ovvero My Hidden Phobia (Vincitori del Premio "Stefano Cavioni", prima edizione, ad Orquestra 5), Dead Rabbits (band prodotta dall'Etichetta discografica indipendete Orquestra Records, e Maripensa.

Ritornando a oggi, otto mesi dopo la memorabile finale al Thunder Road e tre dopo il M.E.I, il contest di Orquestra è giunto alla sesta edizione.

Quest’anno i locali che ospitano l’evento, strutturato da una fase eliminatoria alla quale parteciperanno quaranta band provenienti da tutta Italia, suddivise su nove gironi, più un girone aggiuntivo destinato al Sud Italia, girone che si svolgerà nella città di Brindisi in ricorrenza del 25 Aprile; sono il CARLITO’S WAY di Retorbido e IL BIRRAIO DI SIVIGLIA di Bressana Bottarone.

Alternative Rock Contest che si preannuncia più strutturato ed organizzato rispetto al passato; la composizione dei dieci gironi è infatti preceduta da un'estenuante selezione, alla quale hanno partecipato attivamente molti nomi noti della musica indipendente pavese e dell'informazione territoriale, seguita dall'estrazione finale e dalla composizione dei gironi tutto in presa diretta televisiva web.

Questa sesta edizione si apre nel nome dell'amore, dell'amore per il Rock e per ogni forma d'arte, amplificata dalle opere firmate OrquestrART e dalle opere dell'artista indipendente della settimana, Flavia Scabini, che aleggia nella sala del locale che ha voluto affidare il suo nome ad un'evocazione importante, ad un capolavoro cinematografico autografato Brian De Palma e Al Pacino, stiamo parlando del Carlito's Way è questa data è domenica 14 febbraio.

Le band che si sono sfidate, in ordine di esibizione, sono: UNDERWELL (metal-core da Pavia), KAISHAKUNIN (rock da Bologna), HEADBANGERS (punk-rock da S.Genesio, Pavia) e MARILUNARI (pop-rock "eclettico dinamico", come amano definirsi, da Milano).

La serata parte già ad altri ritmi, scanditi dalla costante presenza scenica dei due presentatori, Leonardo Verzaro, calda voce direttamente da Radio Popolare, ed Alberto "Grinch" Zeffiro, che dettano i tempi e intervistano le band protagoniste con grande maestria ed esperienza.

Aprono la serata i pavesi Underwell, vecchia conoscenza di Orquestra, trascinati dall’energico screamo di Marcello “Marshmallow” Costante. Buonissima esibizione: nonostante il recente cambio di formazione, che ha visto da poco il distacco del batterista, Massi Palmirotta, vincitore oltretutto del premio come miglior batterista ad Orquestra 4, i ragazzi sembrano già piuttosto affiatati, e dimostrano ancora una volta, nonostante l'esperienza che li ha visti suonare su numerosi palchi in tutto il territorio pavese e non, di poter dire la propria anche nei confronti di band molto più esperte e navigate, e di poter affrontare di petto con il loro sound potente ed aggressivo, ogni avversario.

Seguono i Kaishakunin da Bologna, con il loro rock-blues molto semplice ma allo stesso tempo particolare, grazie alla loro abilità tecnica ed al metronomo che spinge ed amalgama l'intesa ed i giri basso/batteria, proponendo un ottimo repertorio, e rendendo veramente arduo il compito finale della giuria tecnica.

I terzi in gara sono gli Headbangers, capitanati da Beatrice “Bea” Cartoni. La band, che era nata proponendo un repertorio di cover punk-rock, ha iniziato a comporre pezzi propri, raggiungendo la formazione attuale, e promette davvero bene.

Gli Headbangers sanno essere divertenti e insieme professionali e sanno quindi come piacere al pubblico, oltre che alla giuria, cosa che hanno perfettamente dimostrato durante il live.

Concludono la serata i Marilunari, da Milano con amore…e talento!

La cantante Marylou stupisce tutti con la sua straordinaria grinta e dalla sua sicurezza, capace di concentrare su di sè tutta l'energia dei presenti, e di formare sul palco un'aura quasi luminescente; in poche parole, una grandissima abilità di "tenere il palco", degna di chi ha calpestato veramente ogni tipo di scena; insieme agli altri preparatissimi componenti. Un mix di pop/electro/rock riconducibile in prima battuta ai "primi" Matia Bazar, sensazione che viene alleviata lentamente fino a sconfinare nei territori del Pop-Rock molto vicino alla tradizione della Canzone italiana.

A questo punto si crea un grande momento di suspence, dovuto al conteggio dei voti… con l’insieme dei voti della giuria e del pubblico trionfano proprio i milanesi Marilunari, con un brevissimo stacco sui bolognesi Kaishakunin, arrivati secondi. Insomma, nulla da fare per le band nostrane, ma bisogna ammettere che la vittoria è stata davvero meritata.

Alessandra Maggi

Recensione: News For Lulu

2009-07-10T15:56:00.002+02:00

News for Lulu
Ten little white monsters
Zahr Records - 2006

Tracklist:
1. Late night commercial
2. Christmas monkey
3. A gun is not the solution
4. Ten little white monsters
5. Toothbrush
6. (…)
7. Scarecrows at the window
8. Tic-toc clock
9. Charlotte with Robots
10. I've been so clever
11. Left hand writers

Line up:
Matteo Baldrighi: batteria, percussioni
Carlo Campili: basso
Nicola Crivelli: chitarra
Emanuele Gatti: chitarra, voce, armonica
Andrea Girelli: sintetizzatore, voce, percussioni
Umberto Provenzani: voce, chitarra

I “News for Lulu” gruppo formatosi nel 2003 a Pavia ci presenta il loro lavoro “Ten little white monsters”.
Il disco è composto di 11 tracce, per un totale di 43 minuti circa.

La confezione del disco è molto curata e piacevolmente delicata con temi inerenti alla natura e al contatto con essa.

La produzione del disco è buona, e la scelta di tralasciare una pulizia perfetta del suono a favore di toni più caldi e “analogici” è particolarmente azzeccata.

La tecnica esecutiva dei “News for Lulu” si mantiene sempre su livelli elevati per tutto il percorso del disco, così come la scelta degli arrangiamenti sempre di ottimo gusto.

Il disco ci propone un indie-rock molto delicato e caratterizzato dalle melodie più che dai ritmi. Proprio il flusso delle melodie si sviluppa lungo il corso degli 11 brani in maniera impeccabile, creando un percorso e di conseguenza un'atmosfera veramente gradevole.

Il disco risulta molto compatto, ma non per questo monotono o banale: i brani concorrono ad un disegno più ampio ma sono ognuno a suo modo caratterizzati da una buona personalità e riconoscibilità.

La voce (o meglio le voci, visto l'ottimo e cospicuo uso di più voci) è la protagonista principale del percorso melodico: il timbro molto bello, quasi fanciullesco, e molto dolce è sempre perfetto per i brani e la voce risulta a sua volta sempre molto precisa.

I testi sono interamente in inglese, ben ideati e ben in linea con l'atmosfera del disco.

In conclusione questo disco è una piccola gemma che riesce ad estraniare l'ascoltatore e a portarlo in una dimensione quasi fiabesca. Veramente un bell'album consigliato a chi vuole ascoltare buona musica, rilassarsi e sognare.

Giudizio finale: 82/100

Simone Giorgi

Recensione - Musashiden

2009-06-29T12:12:00.002+02:00

MUSASHIDEN
LOW
Autoproduzione - 2009

Tracklist:
1. Gordon?
2. Protocol
3. Coagulate
4. Collapse on me, Andromeda
5. Wood Sanctuary
6. Interference to the king
7. Things to do in the desert when you're dead
8. Sublimation

Line Up:
Filippo Morini: voce, chitarra
Giovanna Magnani: chitarra, synth, voce
Leo Vertunni: basso, voce
Gabriele Calvi: batteria, synth, chitarra, drum machine

I Musashiden ci presentano la loro seconda opera, uscita il 4 giugno 2009. Il disco è composto di 8 tracce, per un totale di 41 minuti circa.

All'aspetto il disco si presenta molto elegante, minimale e scuro nelle tonalità e con una copertina molto bella.

La produzione del disco è buona, anche se la scelta di una registrazione un po' frettolosa lascia al prodotto finito qualche imprecisione di troppo.

Gli arrangiamenti, resi pieni e ricchi o addirittura minimali e d'avanguardia sono vari e sempre in piena concordia con il percorso emozionale del disco.

Il disco, composto di 8 tracce, vive la sua evoluzione su due livelli: le tracce 2, 4 e 7 sono le vere e proprie canzoni del disco mentre i restanti brani sono di natura lo-fi sperimentale ed elettronica.
Questi due livelli rendono da un lato il disco un po' arduo alla comprensione, dall'altro sviluppano un percorso parallelo di sperimentazione e di concreta esecuzione, come se si trattasse di un viaggio all'interno della mente umana fra conscio e inconscio.

La voce, che non sempre si rende la protagonista principale dei brani, ha un timbro molto bello ed è globalmente piuttosto precisa. Un altro punto a favore della voce è la scelta stilistica di utilizzare diversi stili, fino ad arrivare a rendersi volutamente sgradevole per raffigurare emozioni a loro volta sgradevoli.

I testi, interamente in inglese, sono molto profondi e azzeccati sia dal punto di vista retorico che semantico.

Voce, testi, arrangiamenti, tutto in questo disco confluisce senza essere protagonista bensì con un senso più elevato: ogni cosa è parte di un flusso musicale che ha come finalità la ricerca dell'espressione emotiva, qualunque sia il veicolo attraverso il quale essa si manifesta.

Proprio l'emozione, la capacità di emozionare è il punto forte di “LOW”, album concepito in maniera diametralmente opposta a dischi prodotti e confezionati alla perfezione, eseguiti e composti alla perfezione e senza un briciolo di emotività.

In conclusione ci troviamo di fronte ad un disco lontano dalla perfezione, soprattutto in fase di produzione, di difficile fruizione ed ascolto, ma in grado di emozionare come solo i grandi capolavori sanno fare (mi permetto di citare a titolo personale “Collapse on me, Andromeda” che trovo semplicemente stupenda e a dir poco toccante)

Giudizio finale: 87/100

Simone Giorgi

Recensione - Unòrsominòre

2009-06-16T15:21:00.003+02:00

Unòrsominòre
Unòrsominòre
I dischi del minollo - 2009

Tracklist:
1. La coscienza di meno
2. Gagarin
3. Un orso minore
4. Sono stato anch'io sereno
5. il mio diario
6. Non sono tranquillo
7. Glory days
8. Discanto
9. Le notti difficili
10. Di passaggio (gli scheletri)
11. rochet #1

Line up:
Kappa: Voce, chitarre, sintetizzatore, pianoforte, percussioni
Ted: Basso
Manuel: Batteria

Unòrsominòre è il progetto solista di Kappa, voce dei veronesi Lecrevisse.
Il disco, uscito nel marzo 2009, si presenta essenziale, quasi minimalista, nell'estetica e negli artwork, fatti di poche linee e colori ma molto belli.

L'album è stato registrato interamente in analogico e presenta una qualità sonora veramente alta e con l'avvolgente calore tipico delle produzioni analogiche e ben suonate.

Gli arrangiamenti, di pari passo con la qualità esecutiva, sono molto gradevoli e svariano dall'alternative rock al pop, all'acustico e al cantautorale.

La voce (ovviamente tra i protagonisti principali visto la natura di disco solista) è sempre precisa nell'intonazione ed ha un timbro molto bello.

Le linee melodiche della voce si sposano sempre in modo impeccabile coi testi e cogli arrangiamenti e risultano forse il punto più positivo dell'intero album.

I testi, tutti in italiano, sono globalmente molto curati e piuttosto efficaci anche se a mio parere meno intensi della media dei testi di matrice rock/cantautorale (Moltheni, Manuel Agnelli, Paolo Benvegnu, ecc.)

Il disco ci propone un'opera dalle molteplici sfaccettature e influenze: si va dall'indie rock all'alternative rock di casa nostra, passando per una forte matrice cantautorale ed un gusto pop.

Proprio a queste molteplici influenze il songwriting si aggrappa forse troppo accomodante nelle scelte, tanto da rendere accomunabile ogni arrangiamento a canoni già tracciati.

Forse proprio a causa di questa caratteristica il disco risulta un po' disunito nel suo complesso e poco efficace nel trasporto emotivo durante l'ascolto, nonostante i pezzi siano tutti molto belli.

Proprio le canzoni, che come prima accennato non brillano per coraggio e per originalità, sono tutte guidate da un gusto pop (nel senso migliore del termine) e risultano abbastanza immediate e dalle linee melodiche molto gradevoli e altrettanto riconoscibili.

In conclusione ci troviamo di fronte ad un bel disco, prodotto in maniera fantastica e dai bei pezzi (una citazione particolare alla cover “Discanto” di Ivano Fossati) che non sono però supportati dall'intensità emotiva pari ad altri capisaldi del rock italiano.

Giudizio finale: 74/100

Simone Giorgi

Recensione - .Cora.

2009-06-08T14:02:00.001+02:00

.CORA.
L'aria che respiro soffoca
Jestrai Records - 2009

Tracklist:
1. Il Sanchez
2. L'Aire
3. Sasso
4. Bora Lacrime
5. La Mia Sporca Metà
6. Caligiurio
7. Impatto Lord Denning
8. D.A.P
9. Colla
10. Becky Hoover
11. L'Ultima Sigaretta

Line up:
Tommaso: Voce, chitarra
Michele: basso, percussioni
Stefano: Batteria

I .cora. sono un gruppo di Jesi (Ancona) formatosi nel 2005 e arrivati al loro full lenght “L'aria che respiro soffoca” nel 2009 per l'etichetta Jestrai.

L'album si presenta ben curato dal punto di vista estetico con copertina e artwork a tema con il titolo e il clima generale del disco.

Il disco, prodotto nel Red House Recordings, ci porta alle orecchie una qualità sonora davvero altissima (basti pensare che il mastering è stato confezionato da Bob Weston, bassista degli Shellac).

La produzione è veramente più che impeccabile sotto ogni punto di vista e le scelte degli arrangiamenti sempre ottime.
Una caratteristica importante della produzione è la carica e la potenza dei suoni del disco, che tuttavia si mantengono molto genuini e diretti.

La tecnica esecutiva di tutti i musicisti è molto valida e contribuisce a dare potenza e compattezza al disco.

La voce, molto aderente ai canoni ormai abusati del grunge è globalmente abbastanza precisa e ha un timbro molto bello.
Anche le linee vocali sono molto potenti, valide e nello stesso tempo orecchiabili e significative.

I .cora. ci propongono un disco veramente carico di potenza, molto influenzato dal Grunge e soprattutto dal filone italiano dello stesso.

I testi dell'album sono in italiano, molto ben congegnati nonostante la brevità dovuta all'incastro con l'incedere grunge dei pezzi.

I pezzi del disco sono tutti gradevoli, dall'ammiccante D.A.P ai due pezzi molto belli con cui si apre il disco, fino alla più melodica Becky Hoover che ricorda molto (troppo?) i Verdena.

Forse è proprio l'eccessivo percorrere di strade tutte già intraprese il difetto principale del disco. Poco è lo spazio concesso all'evoluzione e molto quello dedicato alla riproposizione. Dall'altro lato questo non toglie nulla alla validità dei pezzi e del disco in sé che resta molto ben composto e prodotto.

In conclusione questo disco, prodotto in maniera eccezionale, è molto potente e ci propone un grunge molto ben architettato, figlio delle influenze maggiori del genere e che poco esplora i confini dello stesso.

Giudizio finale: 75/100

Simone Giorgi

Recensione - Lena's Baedream

2009-06-01T11:39:00.001+02:00

Lena's Beadream
Self Attack
Lost Sound Records - 2008

Tracklist:
1. I love my son
2. Re-cover outside
3. The Parasite
4. Ius primae noctis
5. Clever (indiots and haemophiliacs)
6. B-612
7. Saffocate (we can only lose)

Line up:
Nicola Briganti: Chitarra, cori
Gabriele Anversa: Batteria, percussioni
Cristian Ferrari: Voce
Francesca Alinovi: Basso
Carlo Alberto Morini: Chitarra

I Lena's Baedream sono un gruppo proveniente da Parma e formatosi nel 2003 che ci propone il loro ultimo lavoro. Il disco contiene sette brani, per un totale di 35 minuti circa.

Al primo assaggio estetico il disco si presenta con un packaging molto curato e con una copertina veramente bella e significativa.

La produzione di “Self Attack” è veramente ottima sotto ogni aspetto e mantiene una qualità molto alta in ogni brano.

Le registrazioni sono molto pulite e gli arrangiamenti sono molto efficaci e sempre con un sound molto moderno, figlio dei riferimenti rock e alternative metal degli ultimi anni.

La qualità tecnica dei co mponenti è anch'essa molto valida, sia per quanto riguarda la sezione ritmica, a volte essenziale ma sempre molto potente, sia per quanto riguarda la sezione melodica, con chitarre suonate sempre in maniera ottima.

Il disco prende vita come “concept album” e racconta la storia di un cyborg che racconta la storia dell'umanità ad uno dei pochi umani sopravvissuti in un futuro ipotetico.

La scelta molto interessante di rendere un'opera unica una successione di brani diversi è un po' limitata nella sua fruizione dai testi interamente in inglese, che potrebbero rendere ostica la comprensione del senso generale del disco.

La voce nel disco è molto protagonista e si dimostra veramente ottima, sempre molto melodica e prefetta nell'intonazione e con un timbro veramente piacevole.

Il disco si presenta all'ascolto molto compatto anche se a tratti da la sensazione, forse figlia proprio della compattezza del disco, che manchi un pezzo in grado di emergere dal livello medio dell'album.

Il sound globale del disco è ben solido sulle sonorità molto precise sviluppate negli ultimi anni dai gruppi rock/alternative metal (mi vengono in mente gli Incubus, giusto percitare un esempio); questa scelta da un lato rende il disco molto “commerciale” e di facile ascolto mentre dall'altro lo priva un po' di presonalità.

In definitiva “Self Attack” è un ottimo album, creazione di un band dall'ottima tecnica e con una buona esperienza. La produzione è anch'essa molto valida e genera un sound riconoscibile e molto ben congegnato.

Giudizio finale: 83/100

Simone Giorgi

Recensione - In Loop

2009-05-18T14:46:00.002+02:00

IN LOOP
ROCK REVOLUTION
Autoproduzione - 2009

Tracklist:
1. Escape from the world
2. Another day to live
3. Rock revolution

Line up:
Jerry: Voce
Ale: Chitarra
Antonio: Basso
Romolo: Batteria

Gli In Loop sono una band hard rock di Milano e ci presentano il loro demo di tre brani per una durata globale di circa una decina di minuti.

Il disco si presenta piacevole esteticamente, con una confezione molto curata.

La produzione del disco è di qualità più che buona, specialmente in considerazione del fatto che ci troviamo di fronte ad un demo.
Le registrazioni sono di buona qualità anche per quanto riguarda l'esecuzione tecnica.

Il demo ci presenta tre brani, tutti molto legati alla tradizione hard rock. I brani seppur ben congegnati e piacevoli all'ascolto soffrono di un immobilismo e di un arroccamento tipico di alcuni genere musicali che troppo spesso si ripetono uguali a loro stessi: le strutture, le sonorità mancano di originalità e rischiano di risultare piacevoli solo ed esclusivamente agli appassionati del genere.

La scelta quindi di attenersi a canoni già ben delineati da un lato rende il disco fruibile solo ai fans dell'hard rock, dall'altro rende i brani compatti e piuttosto efficaci, anche grazie alla scelta di linee melodiche piuttosto piacevoli.

I testi sono in inglese e anche loro sono molto aderenti agli standard hard rock, sia nelle tematiche sia nell'incedere molto aggressivo e ben legato alla ritmica delle canzoni.

La voce è ben caratterizzata e sempre precisa, nonostante un timbro a tratti poco musicale.

In conclusione, Rock Revolution è un buon demo, suonato e prodotto con una buona qualità, ma adatto solo ai fan dell'hard rock.

Giudizio finale: 64/100

Simone Giorgi

Recensione - Stoop

2009-05-11T11:46:00.002+02:00

STOOP
Stoopid Monkeys In The House
Prismopaco – 2008

Tracklist:
1. Fire on my cheap sunburn
2. Faster than me
3. Sleeping awake
4. Honeymoon
5. Chupacabras & fries
6. Fixing your head
7. Garbage in space
8. The entertainer
9. Atlantico
10. Drum up
11. Move on up
12. Hovercraft
13. Lesson 2
14. (ghost track)

Line up:
Diego Bertani: Voce, chitarre
Fabrizio Bertani: Voce, batteria, percussioni, chitarra, groovebox, armonica
Marco Ponzi: Basso, chtarra
Carloenrico Pinna: Cori, chitarre, banjo, groovebox, tastiera, percussioni

Gli Stoop sono un gruppo di Reggio Emilia formatosi nel 2003, molto apprezzato nella scena indie e vincitore di molti contest.

Il disco si presenta in maniera molto curata dal punto di vista estetico con una copertina piuttosto originale, anche se non molto in tema con le sonorità del disco e con un packaging molto bello e di ottima qualità.

L'album è prodotto e mixato in maniera a dir poco ottima, con un equilibrio sempre molto curato tra i numerosi strumenti e le voci.
Gli arrangiamenti sono sempre gradevoli, molto pieni grazie all'uso di svariati strumenti, ma mai caotici.

Anche la tecnica esecutiva resta per tutto il disco a livelli molto elevati, rivelando un'ottima tecnica che si sviluppa su molti strumenti.

Le 13 tracce (più una ghost track) si snodano in territori indie rock con inflenze molteplici, dall'indie rock più classico alla musica italiana al british rock a toni più blues (Alcune parti del disco ricordano le sonorità di Nick Cave ad esempio).
Proprio la varietà nella scelta degli strumenti e degli arrangiamenti è il punto forte del disco, che mostra una buona conoscenza musicale ed una buona personalità.

La voce (supportata spesso da cori) è sempre intonata e precisa ma manca di varietà di registro e rischia di appiattire l'album, pur essendo piacevole nel suo timbro.
La scrittura delle linee melodiche della voce, a mio parere, resta il punto debole del disco poiché quasi mai si ha una voce d'impatto o una linea melodica particolarmente piacevole.

I testi molto belli, sono tutti in inglese, scelta che penalizza chi non conosce la lingua ma che rendono più fluidi i pezzi.

Una citazione particolare la merita Simone Benassi, ospite alla tromba: l'idea di aggiungere un ulteriore strumento non è affatto barocca, anzi aggiunge merito agli arrangiamenti poiché la tromba è suonata magistralmente e senza eccessi di protagonismo.

In conclusione un disco prodotto e registrato in maniera eccezionale, bello all'ascolto ma reso un po' piatto da alcune scelte di linee vocali.

Giudizio finale: 75/100

Simone Giorgi

Recensione - Plastic Bullet

2009-05-04T14:08:00.002+02:00

PLASTIC BULLET
Plastic Bullet – EP
Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. Heroes
2. Rosses Point
3. Drastic Nostalgia
4. Through This Life

Line up:
Mauro: Voce
Nex: Chitarra, cori
Ago: Chitarra, cori
Andrea: Basso, cori
Luca: Batteria

I Plastic Bullet sono un gruppo formatosi nel 1999 a Milano. Molto attivi nella scena underground lombarda ci presentano un ep di quattro brani.
Il disco ha una durata di 12 minuti circa, ed è solo un assaggio di ciò che i plastic bullet sanno fare.

La copertina del disco, che ci presenta una pacifica rosa uscire da un fucile è ben curata e lascia intuire con una colorazione molto particolare il tono punk del disco.

Il disco prodotto nello studio Mobsound a Milano risulta registrato e mixato con una buona qualità globale, privo di orpelli e preziosismi che poco si addicono ai pezzi molto veloci, concisi e dall'andamento compatto tipico del punk.

Unica piccola pecca in fase di mixaggio la voce solista che sembra a tratti scollata dal resto dell'arrangiamento, specie nell'assenza dei cori.

Il disco è suonato e cantato in maniera buona, molto preciso in ogni aspetto, nonostante la spontaneità e la vivacità della proposta.

I quattro brani, si sviluppano nei territori punk d'oltreoceano e attingono alle influenze punk-rock degli anni '90 (Green Day, Bad Religion e NOFX su tutti).
La strada scelta sembra un genere a volte scopiazzato alla buona, abusato e privo di spunti nuovi, nonostante questo i Plastic Bullet riescono a proporre dei brani freschi, piacevolissimi e piuttosto vari.

Nulla che non sia un buon punk, ma il disco si presenta con un ottimo carattere e fa intuire le doti del gruppo (da apprezzare forse più in live che in un disco).

Alcune note particolarmente apprezzabili sono i cori realizzati sempre con molto gusto e con un'ottima precisione. Anche la sezione chitarristica è valida, anche quando si esprime in parti solistiche.

I testi dei quattro brani sono interamente in inglese e con tematiche tipiche della scena punk-rock anni '90, sono sempre aderenti all'arrangiamento e alle linee melodiche ma sembrano globalmente non molto curati e passano in secondo piano nella costruzione dei brani.

I Plastic Bullet, come già accennato sono molto attivi nella scena lombarda (nell'hinterland milanese soprattutto); se volete assistere alle loro esibizione controllate su www.myspace.com/plasticbulletpunk le loro date.

In definitiva un buon ep (distribuito gratuitamente ai concerti), dalla breve durata e valido per ascoltare le potenzialità di un gruppo punk molto valido ed esperto.

Giudizio finale: 70/100

Simone Giorgi

Recensione - Kill Joy

2009-04-27T09:19:00.002+02:00

Kill Joy
Twenty
Brother and Brother Records - 2008

Tracklist:
1. E.L.E
2. Endless Night
3. Intro
4. Rosa
5. Nothing Special
6. Slowly
7. Tentativi
8. She Doesn't Like Emo
9. Maledetti
10. Heaven
11. Sober
12. It's So Hard
13. People Die
14. 21

Line Up:
Fat: Voce, chitarra
Mark: Batteria
Ste: Basso
Pappri: Chitarra

I Kill Joy sono un gruppo di Torino formatosi nel 2003 ed arrivano nel 2008 alla produzione del primo full-lenght Twenty.

Kill Joy è uno dei gruppi di punta dell'agenzia Stage Diving di Bari, agenzia che si occupa di promuovere le migliori band della scena punk/hardcore italiana e che da aprile ha iniziato a collaborare con RockPv.

Il disco si presenta con una copertina molto curata e dall'immagine di forte impatto.

La produzione del disco si attesta su una buona qualità globale, buone registrazioni e un mixaggio sempre preciso, eccezion fatta per alcuni suoni di chitarra a volte un po' confusi a scapito della potenza dovuta.
Il disco è suonato in maniera impeccabile, con un'ottima tecnica da parte di tutti i componenti del gruppo.

I quattordici brani di Twenty si snodano nei territori dell'hardcore melodico, pur mostrando gusto nella contaminazione di altri generi: nel disco ci sono molte tracce di punk, hardcore ma anche metal e crossover. Il metal si sente molto nell'uso cospicuo del doppio pedale e nelle parti solistiche delle chitarre armonizzate, mentre alcune sonorità del basso riprendono il gusto nu-metal delle quattro corde.

Proprio il basso (strumento sempre relegato in secondo piano) è a mio parere la nota più positiva del disco, sempre ben suonato, molto di supporto ma anche molto caratterizzante e potente.

La proposta musicale di questo album non soffre di banalità sia per le influenze sopra citate sia per la scelta di brani molto brevi (intorno ai 2 minuti per brano) che rendono più vivace il ritmo del disco.

La voce è capace di molte variazioni di registro da toni più corposi a toni più scanzonati fino al growl in alcune parti del disco; il cantato è sempre supportano da linee melodiche semplici ma efficaci ed è piuttosto preciso, anche se in alcuni tratti sembra mancare della potenza necessaria (forse più per alcune scelte in fase di arrangiamento e produzione che per una mancanza del cantante).

I testi si alternano tra italiano e inglese e sono molto aderenti al genere e ben incastrati nelle canzoni grazie anche a una buona scelta delle linee vocali che pur non brillando per originalità sono sempre di molto piacevole ascolto.

Un buon disco, molto aderente al genere (a chi non piace l'hardcore melodico difficilmente piacerà) ma mai banale, prodotto in maniera più che buona suonato molto bene e con un ottima personalità.

Giudizio finale: 74/100

Simone Giorgi

Recensione - Randy Watson

2009-04-22T08:39:00.003+02:00

RANDY WATSON
Demo
Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. Non Nevica Più
2. Rumore
3. Pettine
4. S.b.o.n & Lament of a Dumb

Line Up:
Andrea La fiura (Jeff) - Basso
Marco Rebollini (Rebo) – Chitarra e Voce
Gabriele Calderone - Drums

I Randy Watson sono un promettente power trio di Rivanazzano attivo del 2006, che in questi anni a saputo mettersi in luce grazie ad un buona attività live, nonché grazie a questo demo (datato 2008).

Il trio non si dichiara appartenente a nessuna particolare scena, preferendo comporre e suonare i propri pezzi con la maggior libertà creativa possibile, ed il risultato è un sound che svaria dal post rock strumentale di stampo chitarristico al più violento post core (e le atmosfere rievocate ricordano quelle che si possono trovare nei dischi Pelican), passando per momenti psichedelici, ma anche scenari al limite con il grunge ed il noise.

Il violento attacco di “Non Nevica Più” ricorda, per la sua cubicità, i Don Caballero di For Respect, ma il pezzo muta in continuazione, alternando sfuriate a passaggi molto melodici e delicati, fino al climax finale. “Rumore” e “Pettine” sono altri pezzi ben riusciti che proseguono su questa linea stilistica, e continuano a proporci passaggi affascinanti e suggestivi, per poi colpire con bordate di distorsioni.

E’ il talento chitarristico di Rebo a dare una spinta più ai pezzi, mentre la sezione ritmica si dimostra un ottima spalla, sempre quadrata ed inarrestabile.

Il pezzo migliore, nonché il più particolare di questo breve demo, è “S.b.o.n & Lamento of a Dumb”, aperta da un intro enigmatico, si rivela essere la canzone più accattivante melodicamente, non solo per al presenza (l’ unica) della voce (a dire il vero non irresistibile), ma anche per il riffing e per il bellissimo arpeggio con armonici che condisce il tutto.

Al termine del pezzo è presente quella che si può considerare una ghost track (è assente dalla tracklist segnata sul disco), “Passettini”, in versione live., dovenonostante la non ottima registrazione della performance dal vivo si può apprezzare l’ ottimo lavoro dietro le pelli del nuovo batterista Mike, che potrà sicuramente dare una spinta in più per i prossimi lavori del gruppo.

I Randy Watson appaiono già come una realtà di grande qualità, ma con grandi margini di miglioramento, sicuramente uno dei gruppi più interessanti a livello locale (ma non solo) degli ultimi anni.

VOTO 77/100

Sebastiano Leonida Bianco

Recensione - Missiva

2009-04-20T09:11:00.004+02:00

MISSIVA

SOSPESO
Produzioni Rock Italiane - 2008

Tracklist:
1. dritto negli occhi
2. controvento
3. sospeso
4. il mio più grande fallimento
5. per sempre
6. la mia anima è obesa
7. perchè
8. l'occasione
9. solo io
10. nascosto

Line up:
Paolo Marsella: Voce
Simone De Blasi: Chitarra
Giuseppe Scalone: Tastiera, synth
Valerio Vantaggiato: Basso
Fabio Cazzetta: Batteria

I Missiva sono una band pugliese formatasi a Brindisi nel 1997. Band attiva da molti anni ed in tutta Italia (abbiamo avuto il piacere di vederli al concorso Orquestra al Thunder Road di Codevilla) e ci presentano il loro nuovo lavoro, nonché primo album prodotto dall'etichetta “Produzioni Rock Italiane”.

Il disco si presenta con una bella foto in copertina che in qualche modo ricorda il legame dei
Missiva alla loro terra (legame che rimane ben solido per tutto l'ascolto del disco).

Il disco è prodotto in maniera impeccabile, e la qualità di registrazioni e mixaggio restano sempre di alto livello.

Gli arrangiamenti del disco sono generalmente puliti e semplici ed efficaci, ma senza che mai si cada nella ripetitività e nella banalità. Unica critica che si può muovere in questo senso è a mio parere la posizione troppo marginale di tastiere e synth che molto raramente sono protagoniste.
La tecnica di esecuzione del disco è di livello molto elevato, come ci si aspetta da un gruppo con l'esperienza dei Missiva, che ricordiamo essere attivi come gruppo dal '97.

Sospeso si snoda nei territori dell'alternative rock italiano, senza perdere radici di un rock più classico (in riferimento soprattutto alle parti solistiche di chitarra) e anche di una matrice più tipicamente italiana del cantautorato e perché no del pop.

Un disco con diverse sfaccettature ma con un sound compatto e convincente.
La voce è una delle note più piacevoli dell'album, sempre precisa nell'intonazione e con un timbro molto bello. Da apprezzare la personalità della stessa che sembra a tratti lanciarsi sulle canzoni, altre volte sdraiarsi comodamente altre ancora appendersi e ciondolare con l'animo di chi sa di non cadere.

I testi, che sono interamente in italiano, ben si amalgamano sia con gli arrangiamenti che con il clima delle canzoni e sono scritti con un buon gusto metrico e con significati sempre diretti e fruibili.

Il conclusione ci troviamo dinnanzi ad un bel disco, prodotto in maniera impeccabile e con un buon carisma, figlio di una band con personalità ed esperienza.

Giudizio finale: 80/100

Simone Giorgi

Recensione - Break Point

2009-04-13T13:43:00.003+02:00

BREAKPOINT

JUST HANGIN' AROUND

Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. No way out
2. I can only see your forbidden bedroom
3. Jolly Roger
4. Crystalized
5. I'm fine
6. Rètro

Line up:
Alessandro Favale: chitarra, voce
Riccardo Garavani: chitarra, effetti
Giulio Oldrati: basso
Andrea Civini: batteria

I Breakpoint sono un giovanissimo gruppo di Voghera (PV) e ci propongono il loro primo demo pubblicato nel 2008.

Nonostante la dicitura “demo” il disco è piuttosto corposo (sei brani) e colpisce per quantità e per qualità.

Gli arrangiamenti dei brani sono davvero ben pensati e molto equilibrati e ben sostenuti da una buona qualità in fase di registrazione e spiccano per la scelta delle armonie fra gli strumenti, sempre molto di gusto e mai banali, scelta che denota, nonostante l'età, un'ottima conoscenza teorica.

La tecnica esecutiva dei musicisti è molto buona e sempre precisa e aderente a ciò che richiedono i pezzi, senza troppi fronzoli.

Il disco ad ogni pezzo regala ottime sensazioni e tutti i pezzi risultano orecchiabili ma mai banali.
Un'altra cosa che colpisce è la personalità del disco che si tiene lontano il difetto che accomuna ogni giovane band ovvero l'emulazione di uno o più gruppi; nonostante ciò il disco ha i piedi ben piantati sulla musica attuale e ha dei buoni riferimenti che lo contestualizzano (potrei citare Radiohead e Muse giusto per rendere un'idea).

Il difetto principale del disco a mio parere è la qualità della voce: spesso troppo alta in volume e a tratti poco precisa nell'intonazione e poco “musicale” rischia di rendere poco piacevole il disco ai “non musicisti” che lo ascolteranno (si sa, la voce nell'ascoltatore medio ha ben più rilevanza di un'armonia o di un arpeggio).

I testi di tutti i brani sono in inglese: la scelta come sempre si rivela un'arma a doppio taglio, da un lato rende più musicale ogni linea melodica della voce, dall'altro può far perdere un po' di potenza comunicativa ad un ascoltatore che non mastica l'inglese.
I Breakpoint rendono disponibile il loro demo gratuitamente sul loro myapace: http://www.myspace.com/breakpointspace

In conclusione, questo demo seppur non perfetto fa trasparire una personalità ed un talento rari, e considerando l'età liceale dei Breakpoint è una prima testimonianza di una band che nella scena musicale avrà molto da dire e noi avremo molto da ascoltare (anche in sede live dove i Breakpoint sono molto attivi e nondimeno apprezzabili). Buona evoluzione Breakpoint!

Giudizio finale: 71/100

Simone Giorgi

Recensione - Johnny Burning

2009-04-12T11:50:00.005+02:00

JOHNNY BURNING
Get Up, Get Loose, Get Off!
Street Symphonies Records - 2008

Line Up
MANUEL: vocals
D.B.: guitar
ROB: drums
NIKO: guitar
CESKO: bass

Tracklist
1. Intro
2. Wrong Shape
3. Devil Inside
4. Sassy Lassie Goose
5. Idiota
6. Lost & Found
7. Burning Miracle
8. Time To Rock
9. Shine
10. Rock In The U.S.A.
11. Turn Down Just To Leave It

MySpace
www.myspace.com/jburning

I Johnny Burning hanno il look, l'immagine giusta che parla da sola è che identifica immediatamente la loro musica e cioè hard e glam rock anni '80 in tutte le diverse sfumature.

Sia il look che il suono si ispirano dichiaratamente agli anni ‘80, come dimostra il full lenght, "Get Up, Get Loose, Get Off!", il loro primo lavoro, un'esplosione di rock'n'roll, ideale per gli amanti del genere.

Le 11 tracce hanno tutte delle ottime sonorità, che fanno rivivere per un attimo le atmosfere del tempo.
Sembra di essere tornati ai tempi in cui Mötley Crue e Guns n’Roses facevano scuola, non erano più esclusiva degli addetti ai lavori, ma conquistavano i vertici delle classifiche mondiali. E il mercato discografico produceva centinaia di band che si ispiravano ai padri dello sleaze rock, ma ognuna con la propria caratteristica.
Ed ecco che a quasi vent'anni di distanza i suoni che una volta erano stati spazzati via dal grunge tornano "di moda" e risultano comunque molto attuali. Con l'unica differenza che i Johnny Burning non nascono a Los Angeles, ma a Imola.

L'album ha un attacco al fulmicotone +con il brano "Wrong Shape", in perfetto stile hair metal: un ritornello che rimane in testa, effetti speciali tipici degli anni ‘80 e ‘90 e chitarre modulate sui suoni di Slash & soci. Anche la voce del cantante Manuel suona acuta, ma non stridula, senza risparmiare ammiccamenti e allusioni che fanno molto Bret Michaels.

A seguire, troviamo "Devil inside", che pur rimanendo in tema e ripercorrendo molti cliché dello sleaze rock, ha un qualcosa di originale, con momenti di virtuosismo alla Eddie Van Halen, citato tra le influenze del gruppo.

I Van Halen tornano a farsi sentire in "Time to rock" un brano a metà strada tra "Hot For Teachers" e "Your mama don't dance" dei Poison.
Come qualsiasi album hard rock che si rispetti, c'è anche la traccia più sexy dell'album, "Sassy Lassie Goose", con un incedere funky e blues allo stesso tempo.

"Idiota" parte con un'armonica dal sapore sudista, che evoca le atmosfere di New Orleans.
"Burning miracle" apre in modo trionfale e sembra una dichiarazione d'amore nei confronti degli W.A.S.P., il gruppo che forse più è entrato nel dna dei nuovi rockers.

Non poteva mancare nemmeno la ballata acustica dai buoni sentimenti, "Shine", la colonna sonora perfetta per una pubblicità.
L'album chiude con "Turn Down Just To Leave It", un brano di rock genuino, che attinge dal rock classico americano degli anni '70. Un omaggio al rock sudista, da ascoltare sulla Route 66, come una "Sweet home Alabama" della via Emilia.

I Johnny Burning non inventano nulla di nuovo, ma producono brani allegri e disimpegnati, piacevoli all’ascolto. "Get Up, Get Loose, Get Off!" è un album maturo, registrato bene, che quando metti sullo stereo dell'auto ti dimentichi sia il lavoro di una band esordiente e italiana, per di più.
I brani si potrebbero tranquillamente ascoltare in radio, sia per le ottime melodie che per i suoni puliti e ben miscelati. Unica nota negativa, nonostante siano ben scritti, si susseguono senza lasciare il segno e spesso mancano della passione e del groove che farebbero la differenza.

"Get Up, Get Loose, Get Off!" è un album indicato per chi si aspetta un album sleaze rock e che vuole tornare per un attimo indietro nel tempo. Se invece vi aspettate un disco dalle atmosfere più attuali, questo album non fa per voi. E' un album per gli amanti delle chitarre e delle canzoni senza complicazioni.
E in fondo i Johnny Burning sono quello che vedete!!

Per i cultori dell'immagine, segnaliamo anche la bellissima copertina del disco, con una bionda platinata che porta sulla schiena il tatuaggio "Get Up, Get Loose, Get Off!".

Giudizio finale: 70/100

Barbara Origgi

Recensione - Hinkel & The Mirrors

2009-04-06T09:15:00.003+02:00

Hinkel & The Mirrors

The Big Eye
Echophonic & Think Tank - 2009

Tracklist:
Through (The Mirrors)
Shine (Hinkel)
My Sonic Love (The Mirrors)
Run (Hinkel)

Line up:
Hinkel:
Volker Hinkel: Chitarra, voce, tastiere
Dirk Bluemlein: Basso
Claus Mueller: Batteria

The Mirrors:
Marco Ortensi: Voce, piano, synth
Andrea Vitali: Chitarra, voce
Matteo Carta: Basso
Emanuele Platania: Batteria

“The Big Eye” è il primo prodotto della neonata casa discografica “Echophonic & Think Tank” ed è un classico split di due gruppi, uno nostrano (i milanesi The Mirrors, band pop-rock attiva dal 2003 ) ed uno tedesco (Hinkel, gruppo di recente formazione ma con un'ottima esperienza che prende il nome dal leader Hinkel cantante e chitarrista ex membro dei “Fool's Garden”).

Lo split contiene due brani per ogni gruppo, alternati nella tracklist. Nonostante le caratteristiche tipiche di uno split il disco risulta piuttosto omogeneo come sonorità e come clima globale.

Il primo aspetto che colpisce del disco è la stupenda copertina firmata da Andy dei Bluvertigo e partorita nel suo studio artistico “Flu On”.

Il disco è prodotto in maniera impeccabile, molto orecchiabile e preciso nella localizzazione degli strumenti. Gli arrangiamenti globalmente puliti e semplici sono resi alla perfezione e sorreggono degnamente ogni pezzo.

I due brani dei The Mirrors sono entrambi ben studiati e ben articolati in un panorama pop-rock che attinge molto da radici importanti degli anni '60/'70.

Through, il brano più lungo risulta forse un po' ostinato mentre My Sonic Love, complice una piacevolissima linea melodica risulta più fruibile sin dal primo ascolto, ed è un perfetto “singolo” pop-rock.

I Due brani di Hinkel anche essi piacevolmente arrangiati e strutturati si differenziano parecchio tra loro: “Shine” si adagia senza troppa originalità nei territori ben delineati del “british rock” targato tra i principali esponenti dagli Oasis, mentre “Run” a mio parere è un brano con un carattere più deciso e con un arrangiamento che spazia in territori più elettronici e anche più aggressivi in alcuni tratti del brano.

Questo split è nella sua intenzione (far assaggiare due band e farle conoscere in un sol colpo) molto ben realizzato, sia per la scelta dei due gruppi sia dei brani che fanno intuire le sonorità che ognuno dei gruppi sviluppa e nondimeno la loro potenzialità.

In conclusione, ci troviamo davanti ad un prodotto che nonostante le finalità promozionali ha una buona rilevanza artistica nel suo complesso (e nella stupenda opera d'arte che fa da copertina).

Aspettiamo con ansia lavori più completi da entrambi i gruppi, che promettono ottima musica.

Giudizio Finale: 75/100

Simone Giorgi

Recensione - The Closer

2009-04-03T15:52:00.010+02:00

THE CLOSER

Dream after dream

Autoproduzione - 2008

Tracklist:

1. Dream After Dream

2. Tell me A Lie

3. Sad Joker

Line up:

Ramon - Voce

Denny - Chitarra

Igna - Chitarra

Ambro - Batteria

Giorda - Basso

Myspace:
http://www.myspace.com/thecloserrock

I The Closer, un quintetto di giovani hard rocker, si presentano in scena vestiti da giocatori di baseball, con divise e bandannas, ricordando a chi visse gli anni '90 i Suicidal Tendencies, gruppo trash-hardcore losangeleno.

L'ambientazione in questo caso non è L.A., ma Cuneo, che negli ultimi tempi vanta una piazza musicale indipendente molto attiva e vivace. E il genere dei The Closer si definisce un "nuovo" hard rock o, all'occorrenza, un hard funk rock, ovvero "quando gli Skid Row incontrano i Red Hot Chili Pepper".

In realtà ascoltando il loro mini EP, "Dream after dream", ci ritroviamo molto di più: dall'hard rock vecchio stile all'heavy metal classico con contaminazioni progressive fino alle sperimentazioni musicali del terzo millennio (molto forti le influenze di Dream Theater e Tool)."Dream after dream" è un mini cd contenente solo tre tracce, che esplorano diversi territori musicali, dando un'idea della versatilità del gruppo. In tutte emerge la voce del cantante, Ramon Briatore, potente, dalle inflessioni liriche e facilmente portata ai virtuosismi, ma che a tratti si impone troppo sulla musica e sulla struttura dei brani.

DREAM AFTER DREAM, la title track che apre l'EP, è un brano di hard rock classico, incorniciato dai cori e da un bell'assolo di chitarra che richiama alle influenze eighties.
TELL ME A LIE è in bilico tra l'heavy metal dei Judas Priest, i controtempi dei Dream Theater e gli acuti drammatici alla Queensryche. E' il pezzo che più si avvicina alle tendenze musicali del momento, con atmosfere cupe e apocalittiche. D'effetto le influenze classiche nella stanza strumentale a metà del brano.
SAD JOKER è il singolo estratto dall'EP, con un ritornello accattivante che rimane subito in testa e che ricorda per l'immediatezza e l'energia alcuni pezzi mitici degli W.A.S.P..

Le canzoni sono ben scritte, di impatto, anche se talvolta un po' troppo elaborate. Inoltre la registrazione in presa diretta non rende giustizia alla carica e all'energia che i The Closer riescono a trasmettere durante i live.L'intento di dare vita a un "nuovo" hard rock c'è e i ragazzi sono sulla buona strada per realizzarlo.

Il consiglio è quello di utilizzare i diversi stili per creare qualcosa di coraggioso e veramente innovativo, lasciando da parte l'indecisione sulla scelta delle sonorità del passato e quelle del presente.

Nel frattempo aspettiamo un lavoro più definitivo e meglio registrato, che valorizzi maggiormente la loro musica e le loro capacità.

GIUDIZIO FINALE: 68/100

Barbara Origgi

Recensione - La Debole Cura

2009-04-02T16:02:00.005+02:00

LA DEBOLE CURA
Il Cimitero Delle Idee
Autoproduzione - 2009

Tracklist:
01 – 00:49
02 - Il Cimitero Delle Idee
03 – Black Swan
04 – Città Irreale
05 – Tre Passi Nel Limbo
06 – Watch The Snow

Line Up:
Simone Giorgi: voce, chitarra
Francesco Lista: chitarra
Stefano Ronchi: basso, voce
Francesca Ronchi: Batteria (in studio)
Marco Zaffignani: batteria

La Debole Cura è un progetto avviato nel 2007, quando alla sezione ritmica (Francesca e Stefano Ronchi) degli ormai sciolti Sedna Sound (di cui abbiamo parlato settimana scorsa) si unisce a Simone Giorgi, chitarrista, cantante e scrittore, e Francesco Lista, chitarrista e amico di vecchia data di Stefano.

Dopo il primo demo rilasciato all’ inizio del 2008, e dopo la registrazione di questo ultimo lavoro in studio uscito nel 2009, Francesca sceglie di lasciare la band, e viene sostituita temporaneamente da Stefano Damiani.

Cinque tracce più un breve intro che mostrano gli sviluppi del sound del gruppo: il songwriting partorisce ottimi pezzi, che si snodano attraverso un alternative rock melodico, sognante ed eclettico, per come alterna dolci arpeggi, sfuriate di distorisioni e dosi di psichedelia, mentre più il gruppo attua un grande lavoro anche in fase di produzione dei suoni, rifinendo in maniera accurata i vari pezzi, utilizzando campionamenti, batterie elettriche e spesso anche lo xilofono.

I pezzi che più rispecchiano questa idea di sound sono quelli cantati interamente in italiano, “Città Irreale”, con la sua dinamica alternanza fra soffuse strofe melodiche e ritornello quasi noise, e la titletrack “Il Cimitero delle Idee”, pezzo molto eclettico dal ritmo sostenuto, in cui spiccano un gran lavoro di basso e linee vocali interessanti.

I due i brani cantati in inglese allargano maggiormente gli orizzonti: “Black Swan” (già presente nel primo demo del gruppo) è il pezzo più melodico del disco, si apre con un incedere originale caratterizzato da una ritmica quasi marziale della batteria su cui si stagliano gli arpeggi tessuti dalle chitarre, mentre il brano cresce, si stratifica in un climax strumentale che porta all’ esplosione finale; “Watch the Snow” si presenta invece come il più aggressivo della raccolta, per come sconfina quasi in territori stoner rock nelle parti più rumorose, ma concedendo sempre aperture più leggere e briose che spezzano la tensione e danno respiro al pezzo, sicuramente uno dei più riusciti.

Altro picco dell’ EP è la suggestiva “Tre Passi nel Limbo”, un brano psichedelico interamente strumentale dal sapore desertico, con percussioni, rumori spaziali in sottofondo e chitarre acustiche nel finale.

La Debole Cura si dimostra a buon punto nella propria crescita, pochi sono infatti i difetti di questo breve disco, come ad esempio una eccessiva artificiosità e compostezza della voce in certe parti melodiche, oppure il sovente abuso dello xilofono, orpello non sempre necessario. Resta comunque fra le mani un ottimo lavoro, frutto di quella che è una delle migliori realtà della scena pavese.

Per il successivo salto, non resta che aspettare il prossimo definitivo full lenght, che vedrà l’ ingresso alla batteria del nuovo acquisto Marco Zaffignani, entrato da poche settimane come membro stabile del gruppo.

VOTO: 78/100

Sebastiano Leonida Bianco

Recensione - Born To Booze

2009-03-30T09:08:00.006+02:00

BORN TO BOOZE

Gates Of Hell

Autoproduzione

Tracklist:
1. Gates of hell
2. Full of blood

3. Alterego
4. Megatron
5. Bloody flag

Line Up:
Vittorio: Chitarra
Lele: Batteria
Simone: Basso
Cesco: Chitarra
Rocco: Voce

I born to booze sono un gruppo di Voghera (PV) e ci propongono un EP di cinque brani.
Già dalla copertina i riferimenti del gruppo verso un hard rock / classic metal sono piuttosto evidenti.

Il disco è registrato con una buona qualità globale anche se alcune scelte in fase di mixaggio (dinamica della voce su tutte) lo rendono a tratti poco fruibile.

Gli arrangiamenti sono molto aderenti ai classici del genere ma globalmente ben curati.
La voce, che risulta veramente protagonista (anche in termini di decibel) è mixata male e poco amalgamata al resto del gruppo. Inoltre da spesso l'impressione di essere poco “centrata” e poco precisa nel registro più alto.

La struttura globale dei brani è ben congegnata ma spesso cade in stereotipi di quasi tre decenni fa.

Globalmente l'ep non colpisce né per originalità, né per qualità di produzione, un buon ep ma solo per gli appassionati del genere.

Giudizio finale: 56/100

Simone Giorgi

Recensione - Deluded By Lesbians

2009-03-27T15:06:00.005+01:00

DELUDED BY LESBIANS
The Ignorance of Being Important - EP
Autoproduzione – 2009

Tracklist:
7. Don't laugh for me Argentina
8. Love is blind
9. We don't care
10. C'mon get in
11. Rip off my eyes
12. All that she wants

Line Up:
LAURA O'CLOCK : bass, guitar, vocals
LARA BRIXEN: drums, vocals
FEDERICA KNOX: guitars, bass, vocals

My space: http://www.myspace.com/deludedbylesbians

A giudicare dal nome, Deluded by Lesbians, mi sarei aspettata un gruppo demenziale che fa parodie di canzoni più celebri.

Invece, quando mi è stato recapitato il loro plico promozionale e soprattutto quando ho sentito le prime note del cd "The ignorance of being important" mi sono dovuta ricredere.. e di non poco. Il cd è accompagnato da una biografia semiseria in cui si racconta la storia del gruppo, nato a Milano dall'incontro di tre ragazzi accomunati da una delusione d'amore nei confronti di tre ragazze che hanno preferito delle donne a loro.

Da qui l'idea di formare una band dalle sonorità arrabbiate e da qui l'origine del nome Deluded By Lesbians, come recita a caratteri cubitali la busta del merchandising: "We are sorry we are deluded by lesbians".

Anche la copertina del cd è abbastanza esplicita: sul fronte i fondoschiena di due ragazze che si abbracciano spensierate e sul retro il busto di un uomo solo, evidentemente deluso. I Deluded By Lesbians giocano con le distorsioni e picchiano sui piatti, miscelando rabbia e potenza con della sana ironia. Forte e apertamente dichiarata la loro adorazione verso i Queens of The Stone Age e i Master of Reality. Le sei tracce del cd rivelano un'anima stoner, imbevuta di alternative e con molti tratti hard rock e di psichedelia anni '70.

L'approccio umoristico si avvicina a quello dei Presidents of USA, non a caso tra i gruppi che stanno particolarmente a cuore ai DBL, come riportato nella loro biografia."The ignorance of being important", uscito lo scorso gennaio 2009, è la seconda parte di un progetto iniziato nel 2008, "The importance of being ignorant", contenente 6 tracce inedite. Il sequel naturale del primo album è evidente già dalla numerazione delle tracce che iniziano dal numero 7. L'album si apre con una lunga intro strumentale, "Don't laugh for me Argentina", con batteria e chitarre all'ennesima potenza, che identificano immediatamente il sound del gruppo.

Il ritornello è un coro di risate beffarde e taglienti, che ricordano Frank Zappa e i più nostrani Elio e le Storie Tese.Segue "Love is blind", dove il cantato è quasi recitato sopra strumenti pesanti e uno stile sporco alla Soundgarden prima maniera.

Il pezzo più seventies è "We don't care", molto radiofonico e destinato a diventare il singolo dell'album. Con "C'mon get in" i DLB fanno un balzo in avanti di 10 anni e si trasformano in una perfetta hard rock band anni '80. Per concludere "Rip off my eyes" che è la sintesi di tutto il DLB-pensiero. E infine "All that she wants", la cover del brano dance anni '90 degli Ace of Base, rifatta in chiave Deluded By Lesbians, con un basso ipnotico e le due voci gridate di Laura O'Clock e Federica Knox che si alternano al microfono.

L'album è fracassone, ma ben suonato e piacevole all'ascolto. E le premesse per un futuro roseo ci sono tutte. Da perfezionare solo la linea melodica dei brani, a volte un po' troppo urlati.Dopo tante delusioni questa volta i Deluded By Lesbians hanno di che sorridere.

Giudizio finale: 75/100

Barbara Origgi

Recensione - Flor De Sangre

2009-03-25T14:24:00.004+01:00

FLOR DE SANGRE
New Season Of Hate - EP
Autoproduzione – 2008

Tracklist:
01. Unbreakable Lies
02. Next Direction
03. Stato d'Anime
04. Damnation's Rain
05. I Will Be Heard (cover Hatebreed)

Line up:
Stef: voce
Bone: voce
Ivan: chitarra
Verdiana “V”: batteria
Vinny la Rosa: basso (solo in studio)

New Season of Hate è il primo EP dei Flor De Sangre, giovane gruppo nato da poco più di un anno. La proposta del gruppo oscilla fra metalcore e nu-metal, e ha come punti di forza l’ utilizzo della doppia voce, maschile e femminile (Bone e Stef), che si alternano in scream, cori melodici e accenni rap, e la presenza costante di ritmiche serratissime grazie alla buona coesione fra chitarra e batteria (Ivan e Verdiana), che spesso si rifugia in muri di doppio pedale.

Il pezzo dove queste componenti si mischiano in maniera più efficace è senza dubbio l’ iniziale Unbreakable Lies, che si dimostra abbastanza incisiva non solo a livello ritmico ma anche melodico, con un interessante intreccio fra la voce in scream di Bone e quella melodica, quasi onirica, di Stef.

Next Direction è un episodio meno lineare, dove troviamo i momenti più melodici del disco, alternati a sfuriate dove anche la voce femminile di Stef si prodiga nel cantato in scream, territorio dove spesso però si dimostra più in difficoltà.

Altro pezzo robusto è Damnation’s Rain, più incentrato su coordinate tipicamente metalcore, ma meno ricco di spunti di rilievo. Stato D’ Anime è invece l’ episodio più particolare dell’ EP, dove spicca un testo di denuncia verso il degrado della nostra nazione, scritto completamente in Italiano. La musica serve perlopiù solo da contorno al fiume di parole.

L’ idea è apprezzabile anche se da l’ impressione di rifugiarsi troppo in facili luoghi comuni (anche se tristemente veri…), ma aggiustando leggermente il tiro questa del cantato in Italiano potrebbe essere una strada interessante da battere in futuro per i Flor De Sangre.

Chiude il disco una cover degli Hatebreed, I Will Be Heard, che conferma le buone doti dei Flor de Sangre come esecutori, nonché la bontà della registrazione e della produzione (il disco è stato mixato e masterizzato nello studio Green Sound di Busto Arsizio).

Per gli appassionati del genere, questo è un progetto su cui rimanere sintonizzati.

Voto: 68/100

Sebastiano Leonida Bianco

Recensione - Stephane TV

2009-03-22T21:32:00.002+01:00

STEPHANE TV
Stephane TV - EP

Autoproduzione - 2009

Tracklist:
1. Swan Song (of Our Love)
2. See The Ghosts
3. So Called Democracy
4. Coldness Got Me Here

Line up:
Giuseppe C.: voce

Giovanni C.: basso

Rocco C.: chitarra

William N.: chitarra

Claudio S.: batteria

Gli Stephane Tv sono un gruppo attivo dal 2008 e proveniente da Pavia. L'omonimo EP(composto da quattro tracce, per un totale di 18 minuti circa) è il loro primo lavoro autoprodotto.

La copertina molto curata ed elegante rende il lavoro appetibile anche alla vista.
L'EP seppur autoprodotto è registrato con una buona qualità globale. Gli arrangiamenti sono ben curati e a tratti essenziali e ben concepiti per portare in primo piano voce e chitarre che sono le guide sonore di ogni melodia.

Il disco è suonato bene, senza sbavature e senza eccessi e virtuosismi.
La voce che risulta protagonista principale (sebbene ben amalgamata con il resto degli strumenti) ha un timbro molto bello, piacevole all'ascolto e in grado di portare sulle spalle il peso dell'evoluzione melodica dei brani.

Dalle prime note di Swan Song si coglie subito il clima del disco e i riferimenti principali degli Stephane Tv, un indie rock di matrice più “scura” che prende come riferimenti principali gruppi come “Interpol”, “I love you but i've chosen darkness” e “Editors”.

I riferimenti ben chiari e ben visibili non sono presi a plagio, anzi ad una sana ispirazione che rende il cd non una copia di brani già sentiti, anche se il clima globale del disco si avvicina molto a quello dei gruppi sopra citati.

Alcune critiche che si possono muovere alla composizione dell'ep sono la scelta dei suoni per quanto riguarda la chitarre distorte, che tendono a tratti a infastidire l'orecchio piuttosto che supportare le parti più aggressive musicalmente, e la poca varietà dei registro vocale, che da un lato è molto piacevole e di estrema importanza melodica, ma dall'altro rischia di togliere personalità al disco appiattendolo un pochino (cosa che peraltro succede spesso nei gruppi indie come “ Interpol” e “I love you but I've chosen Darkness”.

Riassumento, l'ep di Stephane Tv è un prodotto molto valido e che denota un'ottima maturità del gruppo, ben solido sui canoni dell'indie rock, suonato e prodotto in maniera buona e con canzoni dall'ottimo gusto melodico.

Una menzione speciale alla scelta di rendere l'ep gratuitamente scaricabile dal myspace del gruppo (http://www.myspace.com/stephanetvband) grazie alle licenze creative commons e al sito jamendo.com che ne supporta la distribuzione (bravi!).

Giudizio finale: 76/100

Simone Giorgi

Intervista - Treves

2009-03-20T15:07:00.003+01:00

Abbiamo fatto una lunga chiacchierata con Fabio Treves, il più noto bluesman italiano, che da anni calca i palcoscenici accompagnato dalla sua band, la Treves Blues Band e dalla sua inseparabile armonica.
Il "puma di Lambrate" ci racconta gli aneddoti vissuti nei back stage dei più importanti concerti italiani e internazionali, dagli anni '60 come giovane musicista e fotografo, fino agli anni più recenti, grazie alle innumerevoli collaborazioni con le legg
Apprezzato anche come dj radiofonico, Fabio Treves, dopo aver collaborato con Radio Popolare e con Rock FM, ora conduce il programma "Life in blues" su Lifegate Radio.
Praticamente una vita dedicata al blues...

Tu sei stato uno dei primi bluesman in Italia. Com'era il panorama musicale negli anni '70? Come mai hai scelto il blues piuttosto, che so, di fare prog o musica più in voga a quei tempi?
A casa mia si ascoltava jazz e blues e mio papà aveva molti dischi... quindi sono cresciuto respirando l'aria del blues. Ho avuto la fortuna di crescere ascoltando il primo vero blues e per me è stata una vera e propria illuminazione.
La vera folgorazione però l'ho avuta nel luglio del 1965 quando sono andato a un concerto degli Who e ho visto Roger Daltrey suonare l'armonica.
Gli Who suonavano rock, ma incominciavano a inserire nei loro brani anche l'armonica e delle sonorità blues, che comunque sono sempre state l'anima del rock.
Se ci pensi, tutti i grandi del rock sono stati influenzati dal blues: oltre agli Who, primi su tutti i Led Zeppelin, Aerosmith, Deep Purple…anche gli impensabili….
E' stato amore a prima vista e da quel momento non ho più lasciato il blues.
Ho iniziato a suonare l'armonica nel 1974 con Simonluca (che è stato accompagnato nel tempo anche da artisti famosi quali Alberto Camerini, Eugenio Finardi, i fratelli Belloni)
E' vero ai tempi andava molto in voga il progressive, ma a me piaceva il blues.

Com'è nata la Treves Blues Band? Ci parli della formazione che ti accompagna da qualche anno?
La Treves Blues Band nasce nel 1974 da un progetto fatto con amici proprio con l'intento di creare una blues band.
Di fatto in 35 anni capitano tantissime cose, ho incontrato diversi personaggi e per tanti motivi la formazione è cambiata e si è evoluta fino al 1994 in cui ho incontrato Cappelletti, Gariazzo e Serra (ALE KID GARIAZZO - chitarra e voce, TINO CAPPELLETTI

Ci racconti qualche aneddoto degli artisti con cui hai collaborato?
Devo dire che ho veramente tantissimi ricordi degli artisti che ho incontrato. Sono molto fortunato a poter dire di aver conosciuto personalmente Jim Morrison, Jimi Hendrix, di essere andato in tour con Little Stevens. I giovani che incontro e a cui racco
Ho un bel ricordo del tour fotografico fatto con gli AC/DC e con gli Iron Maiden.
Una volta abbiamo fatto una partita di pallone con gli Iron Maiden: io, Alberto Camerini e Steve Harris. E' molto importante condividere oltre alla musica anche questi momenti di quotidianità.
Ho tanti aneddoti da raccontare e sono successe veramente tantissime cose, anche quando facevo solo il fotografo.
Ho incontrato Willie Deville, Brian Setzer, Roger Daltrey… questi sono tutte persone diventate "amici".
Molti quando passano da Milano mi chiamano o mi vengono a trovare.
Anche lavorando per Rock FM ho conosciuto molti grandi artisti e icone della storia del rock, da Lemmy a Ozzy Osbourne, agli ZZ Top.
Con Brian Gibson degli ZZ Top siamo proprio legati affettivamente… parliamo la stessa lingua e condividiamo le stesse passioni e questa cosa si sente subito, abbiamo vissuto le stesse cose, siamo entrambi cresciuti con i padri fondatori del blues…

C'è un artista che ricordi con particolare affetto?
Mi viene sempre la pelle d'oca quando penso a Jimi Hendrix.
L'ho visto in tutto 10 volte. Gli ho fatto anche una mitica foto al Piper.
Tra l'altro poi siamo nati lo stesso giorno, il 27 novembre, per questo mi sento molto legato a lui. Era avanti 50 anni rispetto ai tempi.
Sentivo questo suo modo di suonare, lo sentivo proprio. Come per un cattolico conoscere il papa. E' stato un momento indescrivibile.
A distanza di 40 anni, 20 giorni fa ho ricevuto delle foto e ce n'era una scattata nel maggio del 1968. E' stato proprio come rivivere quel momento.

Mi hanno chiesto di farti raccontare il tuo viaggio con Eugenio Finardi all'Isola di White
Il viaggio verso 'Isola di White è uno dei tanti che abbiamo fatto per ascoltare i grandi artisti dell'epoca.
Una volta per vedere i concerti di un certo rilievo dovevi prendere e partire. Anche per comprare un disco o un biglietto bisognava andare fino a Zurigo o addirittura ad Amsterdam.
Pensa che nel 1969 suonavano a Rotterdam i Pink Floyd, Santana e i Canned Heat. Io ci sono andato con un cinquantino.
Ai tempi si doveva viaggiare per ascoltare la musica.
Sono stato fortunato perché i miei genitori mi lasciavano libero di fare queste cose e di andare lontano per ascoltare la musica.

Tra gli artisti italiani chi apprezzi in particolar modo?
Molti musicisti italiani che non ci sono più: da Pierangelo Bertoli a Ivan Graziani..
Anche se non fanno blues c'è sempre tanto rispetto e stima reciproca.
Mi piacciono poi i Linea 77, i Punkreas, Roy Paci, Grignani (in un suo disco ho suonato l'armonica)..Branduardi, Finardi, i Pooh.
Dodi Battaglia negli anni '60 era un dio a suonare la chitarra, si ispirava molto ai Deep Purple e a Hendrix.
I Pooh alla fine sono intramontabili anche a distanza di tempo perché fanno musica con passione e onestà,
ci danno dentro. E allo stesso modo rispetto i giovani che fanno musica alternativa, perché ci credono.

Dei nuovi chi ti piace?
In Italia mi piacciono i fratelli Calafuria, sin dal primo demo
E poi Pino Scotto.

Degli artisti internazionali invece?
Del terzo millennio ci sono gruppi promettenti, bravi e onesti. Però hanno sempre un background che è il rock degli anni '60.
Io ascolto molto i Foo Fighter, i primi Greenday, i Gorillaz e poi, di artisti che fanno altri generi, apprezzo James Taylor e Matt Bianco.
Ho tantissimi vinili di punk anni 70. Poi ho ascoltato tanto i sudisti…i Lynyrd Skynyrd, la Charlie Daniels Band, i Little Feet, mi piace il suono sudista.
Mi piacciono anche i gruppi più estremi. Non importa il genere che suoni ma l'impegno e la coerenza che ci metti.

Per te il blues è solo quello legato alla tradizione o esiste un blues più "moderno"?
Purtroppo i padri del blues, i vecchi bluesmen, stanno morendo.
Qualcuno è ancora in giro come Buddy Guy o BB King.
Però il blues non morirà mai perché si tramanda di generazione in generazione.
E non passerà mai di moda perché non è solo una moda.
L'evoluzione del blues c'è se lo interpreti alla tua maniera.

E com'è il tuo blues?
Io sono rimasto sempre fuori dal mercato, ho fatto sempre dischi autoprodotti e non sono mai stato legato a un contratto o a un'etichetta, perché poi sei obbligato a suonare in determinati locali solo per una questione di immagine e di marketing.
Mi piace l'idea che il blues è naif e non lo puoi ingabbiare…Anche i grandi bluesmen, a 80 anni hanno sempre lo spirito di una volta, li vedi dopo un'esibizione allacciare rapporti con la gente che viene a sentirli o con gli altri musicisti che li accompa
I bluesman non sono santoni o detentori del verbo, vogliono solo entrare nei cuori della gente.
Quando suona la Treves Blues Band si riuniscono generazioni diverse…è questo il vero miracolo italiano, anche senza la pubblicità al tg…io sono sempre contento quando mi chiedono di fare interviste nonostante non ci facciamo una grande promozione.

Ritieni di essere sempre stato coerente all'idea del blues?
Comunque lo suoni, il blues è fondamentalmente la condivisione di un valore.
E questo lo dimostra avere tanti amici che ti scrivono e che ti mostrano la loro stima o le loro emozioni.
Ogni volta che vado in televisione, ricevo tantissimi sms da tutte le parti d'Italia e capisco che il
blues è solidarietà ed è una musica di fratellanza, per le masse, è uno stato di appartenenza.
Anche quando mi è capitato di suonare negli ospizi, nelle carceri, nelle scuole, sono orgoglioso di poter dare una mezz'ora di pace al vecchietto o al malato..e io che suono credo veramente a questa cosa.
Sento di suonare per una giusta causa, e questo lo rivendico da 60 anni.

Si può ancora fare politica attraverso al musica?
Se mi chiamano per fare concerto per associazioni contro le morti sul lavoro o per difendere il verde, io vado.
Se invecelapolitica diventa schierarsi per un partito o per l'altro allora no, non andrò mai a un convegno politico.
Il blues è apolitico.
Blues nasce come solidarietà tra persone. Anche quando ho iniziato e avevamo pochi soldi, quello che guadagnavamo con le serate lo mettevamo insieme per pagare l'affitto o gli strumenti.

Hai un'armonica a cui sei particolarmente affezionato?
Melvin Lewis, il grande jazzista, una volta mi aveva regalato un'armonica, però devo dire che non sono molto legato alle armoniche che suono, nemmeno a quelle regalatemi da altri.
Per me il blues è condivisione, è per questo che le cose che ho di solito le regalo.
Mi è capitato di regalare a qualche ragazzo un disco o un cd autografato ed è bello vederlo rimanere estasiato e prendere il volo. Io sono contento nel vedere questo entusiasmo.
Sono legato solo a due cose: a una felpa e a una maglietta che mi aveva regalato Frank Zappa. Quelle non le regalerò mai.

Tra le esperienze fatte in radio quale ti è rimasta più impressa?
Sicuramente Rock FM è stata l'esperienza più bella.
Mi ha dato la possibilità di arrivare a una fascia di giovani che non mollano e continuano a resistere nelle fede verso il rock'n'roll.
Rock FM ha proprio lasciato un segno e mi ha lasciato un senso di appartenenza, che nemmeno aveva lasciato Radio Popolare, dove avevo avuto la possibilità di parlare di blues nel 1976 rivoluzionario…
A rock FM ricevevo sempre un sacco di SMS in diretta da parte di ascoltatori che mi dicevano quanto era importante il blues per le loro vite. Quindi per me è diventata anche una sorta di missione.
Quando giravo per strada in molti mi fermavano e mi ringraziavano, gente di tutte le età. E' questa è una cosa bellissima.
E' come quando vai a un concerto dei Jethro Tull e o a vedere "Hair" in cui trovi insieme tutte le generazioni di fan. "Hair" è bello per tutti, per i giovani e per i meno giovani, perché alla fine parla della vita…e queste cose non hanno età.

Com'è il tuo rapporto con la tecnologia?
Un aspetto negativo della tecnologia è che oggi se non hai il computer o facebook sei fuori dal mondo…
Mentre potrebbe essere positivo il discorso che la globalizzazione ti permette di pubblicare un disco in contemporanea in tutto il mondo, quando una volta i dischi uscivano solo in Svizzera e in Germania.
Penso che in questi tempi si sia perso il gusto della semplicità… una volta ti emozionavi quando trovavi un biglietto attaccato al tergicristallo, ora invece questi gesti sono sempre di meno.
E la tecnologia ci sta rendendo pigri.
Io sono un vecchio hippy anarchico ex figlio dei fiori e ancora legato a vecchi ideali. Se ci fossero più sogni e più fantasia si vivrebbe molto meglio.
Per questo ritorno al blues: il blues è sangue, sudore e musica.
Il blues è tutta roba genuina.
Devi convincere la gente. E per farlo devi metterci grinte e
una carica che non ti danno né la droga, né il buddismo, né niente. Io credo solo nel blues.
Il blues è un filosofo, un amico, un compagno, un'ancora di salvezza.
E vorrei chiudere con la frase che Bruce Springsteen ha detto in apertura di un suo concerto: "Are you ready for the blues?"

Barbara Origgi

Recensione - Sedna Sound

2009-03-18T09:06:00.003+01:00

SEDNA SOUND

Demo
Autoproduzione - 2004

Tracklist:
01 - Propofan
02 - Niente
03 - Ironia
04 - Tutto Bene
05 - Diazepanico

Line Up:
Augusto Cazzoli: chitarra
Francesca Ronchi: batteria
Simone Celia: chitarra
Stefano Ronchi: basso, voce

Questo demo dei Sedna Sound è piccolo pezzetto della recente storia dell’ alternative rock pavese, registrato interamente in presa diretta nel 2004, rimane l’ unica testimonianza in studio del progetto degli allora liceali fratelli Stefano e Francesca Ronchi (rispettivamente basso/voce e batteria), Augusto Cazzoli e Simone Celia (rimpiazzao nell’ ultimo periodo di vita della band da Davide Bonizzoni), prima dello scioglimento della band nel 2006.

I Sedna Sound si presentavano come figli dei primi Verdena, proponendo un grunge grezzo che si lasciava contaminare sia dalla melodia che dal punk. In questo breve disco, la registrazione molto spartana accentua fortemente il carattere ribelle della loro musica e rende abbastanza bene l’ idea di quelli che erano le loro esibizioni live, che consentirono ai ragazzi di far girare il proprio nome all’ interno della scena pavese. Rimane un pizzico di rimpianto per la mancanza di un prodotto meglio registrato e rifinito, anche se il nuovo progetto di Stefano Ronchi, La Debole Cura, ha tutti i mezzi per superare la precedente esperienza.

Se ancora oggi provate a chiedere a qualche ragazzo in giro per Pavia a quale canzone associa il nome Sedna Sound, sicuramente lui vi risponderà citando “Niente”, la seconda traccia del disco, pezzo nirvaniano di ottimo impatto che diventò una sorta di bandiera del gruppo.
Oltro cavallo di battaglia è “Propofan”, l’ episodio migliore sul versante più punk.

Il connubbio fra rumore e molodia si ripete nei pezzi che superano i 5 minuti, ovvero “Ironia” e “Diazepanico”, che vivono su combinazioni di robusti e semplici riff, qualche apertura più tranquilla, giri vertiginosi di batteria ma anche sulla voce acuta di Ronchi, che passa dallo stridente al sofferto, ed è forse la componente che più risente della registrazione in presa diretta (che lascia qua e là qualche stonatura). “Tutto bene” è la traccia più particolare, molto breve, con una struttura insolita, un intro melodico, un cuore di puro punk e una chiusura con un lungo assolo a condire il tutto.

Un piccola ma significativa testimonianza di un giovane ma significativo progetto del recente passato.

VOTO: 70/100

Sebastiano Leonida Bianco

Recensione - Hinkel

2009-03-17T11:33:00.004+01:00

Hinkel
Heaven and Hell E.P.
2009 - Hinkelstone Productions

Tracklist:
Heaven and Hell
Speed
Run (live 2008)
Baba O'Riley

Line up:
Volker Hinkel: Chitarra, voce, tastiere
Dirk Bluemlein: Basso
Claus Mueller: Batteria

Hinkel, progetto dell'omonimo artista Volker Hinkel (chitarrista dei Fool's Garden, gruppo tedesco divenuto celeberrimo con il brano “Lemon Tree”) ci presenta il suo ultimo lavoro un EP pubblicato interamente in digitale.

L'EP contiene quattro brani, di cui due cover (Heaven and Hell di John Entwistle e Baba O'Riley degli Who) e due brani originali, di cui uno in versione live.

Il disco come si può intuire dalla scelta delle cover si propone come un tributo alla band inglese degli Who.

La produzione dell'EP è veramente ottima sotto ogni punto di vista e persino il brano live risulta oltremodo preciso e pulito nell'ascolto.

La caratura tecnica del gruppo si sente tutta, ogni brano risulta molto ben suonato.
Il disco globalmente si presenta con un'anima molto british, dalle cover degli Who ai pezzi originali, che evolvono i loro suoni di pari passo con l'evoluzione del suono d'oltremanica (dai Beatles agli Oasis, giusto per citare due esempi concreti).

Unica critica che si può muovere al disco è la scelta di arrangiamento di Heaven and Hell in cui il basso suona meno “virtuoso” di quello di Entwistle impoverendo un po' il pezzo.

In conclusione, l'ep è un piacevole diversivo “Brtitish” per le orecchie, e si propone da un lato come tributo ad una grande band del passato, dall'altro come un piccolo assaggio di quello che sarà il nuovo album di Hinkel.

Giudizio finale: 76/100

Simone Giorgi

Intervista - Modena City Ramblers

2009-03-11T11:47:00.004+01:00

I Modena City Ramblers diventano maggiorenni. Sono diciotto, infatti, gli anni passati da quel lontano 1991, quando il loro “folk modenese” comincia a risuonare nell’aria.
Una chiacchierata con Davide “Dudu” Morandi, voce del gruppo dal ’96: un tuffo nel passato, uno sguardo al futuro e tanto entusiasmo per un presente carico di musica, idee e progetti.

La storia dei Modena è una lunga storia fatta di partenze, addii e nuovi arrivi. Una storia che, riprendendo il titolo del vostro secondo album, “La grande famiglia”, sembra una saga famigliare, fatta di grandi dolori, ma comunque carica di emozioni.

“Molti gruppi non avrebbero resistito a così tanti cambiamenti, ma i Modena hanno saputo reinventarsi ogni volta, pur rimanendo fedeli a se stessi: hanno attinto energia dai nuovi arrivati, sperimentato, viaggiato, condiviso.
In effetti ciò che maggiormente ci contraddistingue è la complicità ed il legame che abbiamo coltivato negli anni: la nostra è veramente una grande famiglia, una famiglia allargata ovviamente”

Da Modena all’Irlanda fino a… sono tanti i viaggi che avete intrapreso

“… fino al Sudamenrica, alla Palestina, all’Africa e tante altre mete. Il viaggio è un’esperienza fondamentale per la vita del gruppo: il viaggio è condivisione, ma soprattutto conoscenza.
Dei viaggi ci portiamo i colori, i rumori, i suoni: incontriamo culture, anche musicali, diverse: tutto questo bagaglio di esperienza lo trasformiamo in parole, in note. I nostri brani sono “figli illegittimi” dei tanti luoghi che abbiamo vissuto: contaminazione e sperimentazione sono per noi parole chiave.
Mentre nei primi due album eravamo legati principalmente alla magia dell’Irlanda, ora è il mondo la nostra ispirazione.”

Senza però dimenticare Modena… da dove nasce l’idea di proporre ad un pubblico nazionale e non, canzoni in dialetto modenese?

“Come ogni inizio implica una fine, così ogni viaggio comporta un ritorno: partire per noi non significa lasciare. Le nostre radici sono importanti e le canzoni in dialetto modenese suonano come un piccolo tributo alla nostra terra”

C’è qualche viaggio nell’aria?

“ Bhè, un viaggio a cui teniamo molto: la meta è l’Italia e, più precisamente, il sud Italia.
Verso la fine di aprile, maggio partiremo: andremo a suonare sui terreni confiscati alla mafia, palazzi, edifici e strutture un tempo appartenenti alla mafia, ora riqualificati; non vediamo l’ora”

La vostra musica non è mai fine a sé stessa; spesso i vostri testi oltrepassano la musica e squarciano la realtà, trattando i diversi argomenti che, qualche volta, infiammano il dibattito politico.

“E’ vero, molti dei nostri testi si addentrano nelle tematiche sociali: ma è importante per noi porre il problema, portarlo alla luce, senza però pretendere di darne la soluzione.
Vi è una forte componente sociale, inscindibile rispetto alla nostra musica: noi denunciamo semplicemente ciò che succede, lasciando perdere la politica in senso stretto”.

A proposito di politica, lotta e tematiche sociali; la domanda è d’obbligo: cosa mi puoi dire di Contessa?

“L’ultima volta che l’abbiamo suonata è stato al primo maggio del 2006, dopo alcuni anni in cui non l’avevamo più proposta. A Pietrangeli, autore del brano, non è piaciuta la nostra versione: abbiamo modificato alcune parti del testo, per renderla più vicino ai tempi e abbiamo deciso di smussarne i toni, eliminandone la componente “violenta”, per rimanere fedeli ai nostri ideali che vedono nella NON VIOLENZA un principio fondamentale. Siamo stati tacciati di deriva canzonettistica, ed è abbastanza divertente se si pensa che Pietrangeli è ora regista di programmi come “Buona Domenica” e “Amici”. Potremmo ancora farla, ma abbiamo preferito evitare: in fondo molte delle nostre canzoni ci rappresentano maggiormente”.

Ad aprile esce “Onda Libera” il nuovo album… qualche anticipazione?

“L’album è interamente fatto da noi: ci siamo occupati della stesura dei testi, degli arrangiamenti, e, ovviamente, l’abbiamo cantato e suonato.
In senso lato lo definirei un “concept album”: parla della libertà conquistata e della libertà negata: volevamo liberare il concetto di libertà dalle sovrastrutture che vi sono state costruite intorno”

Ritornando al passato… sono molte le collaborazioni di cui il gruppo si è fregiato negli anni: da Subsonica, ai Mano Negra sino a Goran Bregovic e molti altri artisti.

“In effetti è proprio così: prima di diventare il cantante dei Modena, li seguivo e ricordo di aver assistito ad un loro concerto con Bregovic… uno spettacolo.
Comunque i grandi nomi non sono le uniche collaborazioni che il gruppo può vantare: lo scorso settembre, ad esempio, abbiamo partecipato ad un live ad Arezzo con un gruppo di musicisti del Burkina Faso; un’esperienza unica ed indimenticabile.”

Guardando al futuro invece: se potessi scegliere un artista con il quale collaborare, quale nome faresti?

“Ce ne sono davvero tanti di artisti coi quali mi piacerebbe collaborare, anche se non sono solo i grandi nomi a dare soddisfazione: ogni collaborazione lascia il segno, ti regala un’emozione, un suono, ti regala un pezzetto del grande puzzle della musica.”

Ora che avete raggiunto la maggiore età, come vi vedete “da grandi”?

“Continueremo ad oscillare tra il viaggio e le nostre radici; continuerà il nostro impegno in ambito sociale: è parte di noi, è la nostra storia e il nostro futuro, è l’anima del gruppo e spesso prescinde ed oltrepassa la musica che si plasma e diviene veicolo.
Lo dimostra la nostra storia, a partire dalla collaborazione con Coop e l’o.n.g. toscana UCODEP e molte altre; tra l’altro dal 25 aprile inaugureremo una serie di date con Libera (Associazione che si impegna. nella lotta alle mafie), un impegno questo al quale teniamo davvero tanto perché legato ad una battaglia nella quale crediamo”

Per tutti coloro che vogliono immergersi nel mondo dei Modena City Ramblers, l’appuntamento è venerdì 13 (bando alla scaramanzia) al Thunder Road.

Martina Pasotti

Recensione - Origami

2009-03-03T10:13:00.002+01:00

ORIGAMI

Le Blatte di Casa Mia

Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. …
2. saramago
3. carate
4. macabra storia
5. cervelli a quattro zampe
6. nuts nuts nuts
7. il pianerottolo dell'amore
8. antonio
9. l'insalata
10. poggio il rusco
11. la spina nel fianco
12. striscia di gaza
13. lo swingato

Line Up:
Claudio
Alessio
Cesare
Vincenzo
Francesco

Origami sono un gruppo di Verretta, Bologna, che ci presentano il loro lavoro: Le blatte di casa mia.

Il disco dalla copertina e soprattutto dal titolo non si presenta molto “invitante”, anche se è da apprezzare l'atteggiamento non serioso tipico di molti gruppi emergenti che si atteggiano a divi.
Il disco è prodotto discretamente ma dà l'idea all'ascoltatore di una produzione un po' frettolosa, sensazione accentuata dal modo un po' impreciso cui sono state suonate le canzoni (addirittura la chitarra scordata in alcuni pezzi, cosa veramente poco piacevole).

Gli arrangiamenti dei pezzi sono buoni, tipici dell'alternative rock, molto guidati dalle chitarre e dal connubio basso – kick.

I testi sono piuttosto vari e densi di significato: in genere molto diretti e sbraitati diventano anche introspettivi e orpellati da allitterazioni molto marcate (ad esempio “macabra storia” o “lo swingato”).

La voce, che ricorda lo stile de “il teatro degli orrori”, è spesso urlata e a volte un po' troppo eccessiva nell'impeto ma in realtà molto espressiva e molto caratterizzante per l'intero disco.

Infatti proprio i testi e la voce sono i protagonisti principali del disco, danno un'impronta un più ad un disco che altrimenti non uscirebbe molto dalla “norma” dell'alternative rock.

Questa caratteristica della voce risulta essere un'arma a doppio taglio poiché condiziona il giudizio sul disco sia positivamente che negativamente qualora non piacesse (de gustibus...).

Un buon disco, registrato globalmente in maniera non buona, ma con buone idee al suo interno, belle canzoni e un ottima personalità.

Giudizio finale: 73/100

Simone Giorgi

Intervista - BandaBardò

2009-02-28T12:41:00.003+01:00

Erriquez, come la Bandabardò ribadisce tutt’oggi, il principio con il quale siete nati 15 anni fa è quello di voler trasportare sul palco la stessa atmosfera delle suonate tra amici. Dopo l’attività svolta ad oggi, nel 2009, con più di 1000 live e 6 album all’attivo, sentite ancora forte questo spirito popolare e ‘informale’ o lo si sta perdendo pian piano per trovare forza in qualcos’altro?

No, anzi, è sempre più forte. In tutti i live di questi anni abbiamo capito che noi della Bandabardò siamo fatti così, ci piace fare musica e cantarla insieme alle persone, fare feste. Non siamo musicisti che mossi da una certa vanità vanno in giro a mostrare il proprio repertorio e ne gioiscono come tale, noi sentiamo il bisogno del pubblico. E la riprova che ciò è possibile l’abbiamo avuta in questi anni, la prova che questo spirito può essere colto sia in una saletta con 20 spettatori che in una sala di 10000. L’importante è che tu sia vero e che racconti qualcosa che ti è vero sulla pelle. Allora la tua allegria diventa contagiosa e si apre un ping pong col pubblico, ed è come una festa a casa.

“Trasportare sul palco la stessa atmosfera delle suonate tra amici”. Può voler dire che basate gran parte della vostra dimensione artistica sul live e sui concerti?

No, non cerdo. Il disco è molto importante, lo fai per una dimensione artistica tua, ti permette di rinnovare le tue idee e di creare degli atti e dei ricordi. E comunque penso che anche al pubblico i nostri dischi siano piaciuti, visto che ne sono state vendute decine di migliaia di copie. Credo che la gente li compra perché non vede l’ora di fare un atto d’amore nei nostri confronti, anche perché poi ai concerti cantano tutte le canzoni a memoria.
È un discorso artistico che mai ha guardato al mercato, mai abbiamo fatto una canzone simile a un’altra perché quell’altra aveva avuto successo, e questo è parte fondamentale del nostro essere veri sul palco: raccontiamo storie sincere senza mai creare nulla appositamente.

Attaccandoci al tema dell’album in quanto opera a sé, l’ultimo vostro lavoro, “Ottavio”, uscito nel Settembre 2008, ha una solida struttura narrativa, simile a un’opera teatrale, divisa in atti. Come è nata questa nuova idea?

Se si contano i nostri dischi in modo da includere, oltre ai 5 album studio precedenti, anche il live e la raccolta, questo sarebbe stato il nostro ottavo album. Da lì il nome.
Per questo album allora abbiamo creato questa storia lunga, che viene raccontata in tutte le 14 canzoni. Una storia che parla della vita di questo personaggio, che si chiama Ottavio perché nella commedia dell’arte Ottavio era la maschera dell’innamorato, e a noi l’idea del personaggio il cui scopo nella vita è quello di innamorarsi era piaciuta moltissimo. È un’immagine che ci assomiglia molto.
Su questa storia stiamo già elaborando una stesura ancora più teatrale che faremo da ottobre in poi, direi un po’ alla Gaber anche se il paragone mi fa tremare le ginocchia. Quello diciamo che dovrebbe essere l’esempio da seguire.

Questa di lavorare sull’album in quanto opera d’insieme è una scelta che molti artisti oltre a voi hanno fatto. Mi viene in mente, oltre al Gaber da te già citato, l’ultimissimo ‘fonoromanzo’ di Caparezza.

Certo, l’ultimo lavoro del Capa l’ho sentito e mi è piaciuto molto come tutto ciò che lui ha scritto, ma non ci ha influenzato poiché l’album nostro era già scritto e già registrato da un po’. In ogni caso siamo contenti che altri artisti optino per scelte importanti come questa, poiché al giorno d’oggi comprare un disco è un grande atto d’amore che una persona fa nei confronti dell’artista, visto che potrebbe benissimo averlo gratis. Per questo noi, Capa, e pochi altri, cerchiamo di dare al disco un valore che va ben oltre quei venti euro. Prima di tutto cerchiamo di farli belli e non cerchiamo di basarli su due singoli che tirano le vendite e poi il resto è tutto una m…. Noi ad esempio in un disco abbiamo messo trenta tracce con gli accordi di chitarra, in un altro abbiamo messo un dvd che documentava la nascita del disco. E questo lo facciamo perché è giusto nei confronti di chi lo compra che deve essere felice del tuo lavoro.
Le fonti di ispirazione per questo ‘concept album’ si possono riferire anche a “Tommy” degli Who o a De André che riscrive la grande “Antologia di Spoon River”. Sono esempi di artisti ben più fantastici di noi che ci hanno ispirato.

Voi avete avuto la fortuna, tra i tantissimi live, di esporvi più volte all’estero, e questo grazie anche al tuo bilinguismo e alla tua origine franco-lussemburghese. Di fronte a un genere come il vostro, molto folkloristico e festoso, si incontrano reazioni differenti a seconda dei paesi e dei popoli con i quali ci si trova di fronte?

In Germania abbiamo trovato una reazione molto diversa ma intelligente. Ovunque ci siamo esibiti, dalla Francia al Canada passando dal Messico o la Spagna, la gente ha ballato, si è lasciata andare, ha dunque creato anche lì l’atmosfera festiva, con l’unica differenza che non cantavano perché non sapevano le parole. In Germania invece mi verrebbe quasi da dire che la gente, guardandoci cantare, capiva le parole, o meglio capiva che quello che noi cantavamo, anche se in una lingua completamente diversa, veniva da qualcosa che noi avevamo realmente vissuto. È nato così un certo feeling con il pubblico tedesco, tanto che le radio ci passano spesso, una delle emittenti più importanti ci ha fatto disco del mese, e la stampa ci sta dando delle consacrazioni che magari neanche meriteremmo. Si sono messi a studiare i nostri testi, a interpretarli, a volte addirittura a paragonarli con artisti come De André. Io personalmente sono diventato alto un metro e venti con un paragone simile!

L’esigenza di esprimere la propria dimensione artistica e il proprio pensiero viene, come di consueto, espressa con la musica. Ma nel vostro caso non è solo così, perché nel 2004 avete pubblicato anche una biografia, dal titolo “Vento in Faccia”, scritta in collaborazione con Massimo Cotto. Da cosa è nata questa esigenza?

L’idea è nata dallo stesso Massimo, che noi abbiamo sempre considerato il giornalista migliore in Italia e con il quale oggi abbiamo stretto ormai una grande amicizia. Prova a immaginarti Massimo Cotto che ti telefona a casa e ti dice: -Voglio scrivere una biografia su di voi. Troviamoci in campagna, ci beviamo un bicchiere di vino, poi quello che mi raccontate io lo metto per iscritto-.
Noi siamo saltati in aria per la gioia. Qualcuno che potesse mettere i nostri pensieri e i nostri ricordi, e fermarli.
Con questa esperienza siamo anche riusciti a scoprire molti segreti e molte differenze che c’erano tra noi membri del gruppo. Lavorare con lui è stato un po’ come una seduta psicanalitica di due giorni. Sono tornati ricordi incredibili alla memoria, tutti registrati da un grande giornalista, che quindi hanno creato questo momento di euforia in noi.

Prima di salutarci, state già lavorando per il prossimo album o siete pienamente occupati dal tour?

No, il nostro modo di lavorare funziona con quasi due anni di tour non-stop e alla fine di questi ci si ferma un mesetto per scrivere il nuovo album di getto. Non scriviamo mai in tournée. Quello che si sta facendo in questi giorni è lavorare per metter giù i monologhi, i dialoghi, e i costumi per la piéce teatrale di “Ottavio” che si terrà da questo autunno.

Francesco "Bobo" Bogliani

Articolo - DoppioSenso

2009-02-28T12:31:00.003+01:00

Se proprio volessimo trovare uno slogan, potrebbe essere: DoppioSenso, doppia emozione: venerdì 27 infatti il gruppo pavese sbarcherà nel Salento per un live che li vedrà protagonisti insieme ai Missiva, i vincitori della prima giornata di Orquestra 5 - Thunder Rock League.
Un concerto che rappresenta uno snodo fondamentale sia per il gruppo, sia per Orquestra che, affidandosi l’uno all’altro, sbarcano a Lecce per portare un po’della loro follemente sana ed altrettanto contagiosa Rock Intentinon.

Un attestato di stima ad un gruppo, i Doppio Senso, realtà ormai consolidata del territorio, che grazie ad innumerevoli live, hanno fatto innamorare folle di pavesi in delirio: per rendersene conto è sufficiente assistere ad un loro concerto e respirare un po’ di quella sana energia che accompagna ogni loro esibizione.

Dopo anni di fatiche e ore spese in sala prove, per il cavaliere e la fata (il cavaliere e la fata tour,) è finalmente giunta l’ora di godersi una piacevole luna di miele e, con il benestare di “Mamma” Orquestra, quale posto migliore se non il Salento, con i suoi colori ed i suoi sapori?

Se andare a Lecce per il week-end è un po’ complicato, ma vi sentite comunque pronti ad immergervi in un’apnea di note, non perdete neanche un secondo del loro album d’esordio e vi ritroverete divinamente persi nel mondo dei Doppio Senso che, fidatevi, non è poi così male….

Perla Martini

Recensione - Alchemya

2009-02-22T18:44:00.003+01:00

ALCHEMYA

Alchemya
B-Side Records - 2008

Tracklist:
- THE SAVIOR
- RORSCHACH TEST
- STAINED
- VESPIDAE

Line Up:
Fabio Amurri: tastiera
Enrico Gattafuori: chitarra
Simone Bracci: voce, chitarra
Lorenzo Vennitti: basso
Steven Orazi: batteria

Gli Alchemya sono un giovane gruppo proveniente da Ascoli Piceno, formatosi nel 2006.

Il disco in questione è un EP di 4 tracce per una durata di una ventina di minuti.
La veste grafica del disco si propone molto ricca di simbolismo (medico e psicanalitico in primis)
e molto ben curata.

Il disco propone un rock molto moderno, contrassegnato da sonorità tipiche degli ultimi anni.
La produzione è curata e il disco molto “pulito” nel sound. I pezzi, anche grazie ad un sempre ottimo uso della tastiera, sono ricchi negli arrangiamenti e molto ben suonanti.

Nonostante i molti lati positivi l'ep in questione tende a risultare un po' “preconfezionato” e con poca personalità, questa sensazione è accentuata dalla voce che a volte risulta troppo monocorde e con poca varietà (seppur una voce con un ottimo timbro ed una buonissima tecnica).

Il gruppo, come detto sopra, è molto giovane e questa mancanza di carattere nel disco è dovuta sicuramente a questo ed è perfettamente normale all'inizio della maturazione artistica di un progetto.

Le potenzialità che si intuiscono in questo lavoro sono veramente elevate, e son sicuro si esprimeranno al meglio nei prossimi lavori.

Per concludere si può affermare che il risultato di questo disco è inferiore alla somma dei suoi singoli componenti, seppur pone la prima pietra di un cammino che sarà certamente più maturo e validissimo.

VOTO: 70/100

Simone Giorgi

Recensione - State 22

2009-02-15T13:12:00.003+01:00

STATE22

THE MODEL OF ATTRACTION (MEI 2008 single edition)

Auotoproduzione - 2008

Tracklist:
The model of attraction
The model of attraction (instrumental version)

Il gruppo State22 ci propone un disco singolo con packaging edito per la presentazione al MEI 2008.

In effetti ad un primo contatto visivo si tratta di un'edizione particolare, con dimensioni da 45 giri ed un “finto vinile” all'interno che fa in realtà da supporto ad un normale compact disc.

Il disco propone una sola canzone prima nella versione originale e successivamente nella versione strumentale.

Gli State22 ci propongono un rock molto ben arrangiato e prodotto, con melodie molto orecchiabili e di piacevole ascolto, tuttavia la canzone sembra mancare di carisma e di personalità: troppi passaggi musicali ricalcano i canoni troppo spesso abusati di un rock “anni 2000” così come la scelta dei suoni che possono risultare troppo “prefabbricati” e della linea vocale dei ritornelli.

La scelta del testo inglese pare molto appropriata visto l'andamento rockeggiante che si sposa sempre bene con la lingua d'oltremanica.

In conclusione ci troviamo davanti ad un lavoro che pur proponendo una buona canzone con un sound molto orecchiabile sembra aver direzionato troppi sforzi sull'estetica del pacchetto e troppo pochi su una caratterizzazione meno canonica del pezzo.

Giudizio finale: 60/100

Simone Giorgi

Recensione - Oloferne

2009-02-14T21:30:00.004+01:00

OLOFERNE

Segno D'acqua

Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. L'argonauta
2. Volver
3. L'amore della salamandra
4. La Piedra del Paranà
5. La preghiera del marinaio
6. A largo di Punta Stilo
7. Controcanto
8. Byzantium
9. Oggi i pensieri sono alberi
10. Fa come Fard (new version)
11. Il segno d'acqua

Line Up:
Alessandro Piccioni: Voce, Basso, Flauti
Giacomo Medici: Voce, Chitarra, Percussioni
Giuseppe Cardamone: Violino
Gianluca Agostinelli: Chitarre
Marco Medici: Batteria, Percussioni

Oloferne è un gruppo da Chiaravalle (Ancona), nato nel 1999.

Il segno d'acqua è l'ultimo lavoro di una carriera ormai decennale segnata da numerosi riconoscimenti e premi.

L'album si presenta molto elegante nel packaging davvero molto curato, con una copertina che con un'onda e il suo reflusso già ci trascina all'interno di quella che sarà l'atmosfera del disco. Un disco trascinante che vuol esser compagno musicale di un viaggio, tema del viaggio che ben si sposa con le atmosfere tipiche del folk-rock.

Il tema del viaggio, del mare, della terra e delle radici del vino e dell'uomo: Il tema del disco vuole essere il mondo, nelle atmosfere e nei testi.

Ci troviamo di fronte ad un disco molto suonato e suonato davvero in maniera impeccabile sotto ogni punto di vista: gli strumenti si incastrano sempre in arrangiamenti molto curati sempre con un ottimo gusto musicale messo al servizio dell'atmosfera generale di ogni brano, senza perdere di vista il cammino solido dell'intero disco.

Le canzoni, mai banali, sono valide ognuna a suo modo, oltre ad essere tasselli di un unico più grande quadro (come si può ben ascoltare da “Byzantium” e “Oggi i pensieri sono alberi” canzoni unite l'una all'altra dallo stesso tema musicale che si sviluppa però in due porzioni fruibili singolarmente).

I testi come già citato precedentemente sono molto radicati alla tradizione del genere folk, ricchi di richiami sensoriali alla natura, alle radici culturali della nostra terra e non solo, ben sdraiati sopra a musiche che li accolgono accomodanti.

Il forte legame ad un genere come il folk-rock se da un lato rende il disco sicuro di sé e solido, dall'altro potrebbe renderlo poco fruibile a chi non bazzica per quei territori musicali.
Ottimo disco, da ascoltare come compagno di viaggio, o come colonna sonora di paesaggi stupendi .

Giudizio finale: 80/100

Simone Giorgi

Recensione - Le Moire

2009-02-13T18:31:00.004+01:00

LE MOIRE

Le Moire
Autoproduzione - 2008

Tracklist:
1. L'uscita
2. Eretici e veleno
3. Danza nel vuoto
4. Ritorno al caos
5. Vuole che sia per me
6. Memory lost
7. Piacere artificiale
8. Le forme dell'inganno

Line Up:
Stefano Invernizzi: Voce, basso
Andrea Invernizzi: Chitarra, cori
Carlo Castoldi: Batteria

Le Moire sono un gruppo di Robbio (Pv) formato nel 2006 sotto il nome di “Nemesi” trasformatosi all'inizio del 2008 ne “Le Moire”

Il disco che porta in calce soltanto il nome del gruppo si presenta con una copertina veramente significativa (tratta da un quadro del cantante Stefano Invernizzi), da un lato per il valore artistico della stessa, dall'altro per l'affinità con il climax del disco.
L'album è registrato e prodotto con una qualità sotto agli standard professionali, con suoni a volte poco definiti e grezzi, ma questo non è sempre un male poiché rafforza l'anima “grunge” del disco (mai sentito Bleach dei Nirvana?), anche se a discapito delle parti più melodiche.

Il disco è suonato in maniera molto sanguigna e gli arrangiamenti sono sempre d'impatto senza mai eccedere in preziosismi tecnici fini all'ostentazione più che alla composizione di un disco.
La voce ha un timbro personale nonostante uno stile che richiama i grandi cantanti grunge ed è molto ben implementata nei pezzi, dando sempre un supporto rumoroso nei pezzi più tirati e melodico nelle parti più musicali.

Grunge, ma non solo. Rock, ma non solo. Il disco, che ad un primo ascolto può sembrare troppo influenzato dai canoni post-grunge, si rivela invece molto profondo e vario, due esempi su tutti la ballata “Vuole che sia per me”e la strumentale “Ritorno al caos” che divide idealmente il disco in due parti, la prima prettamente grunge e la seconda molto più varia.

I testi sono scritti tutti in italiano, una scelta molto pregevole, visto il tenore generalmente molto ritmico dei pezzi, sui quali sarebbe scontato l'utilizzo dell'inglese. I testi sono molto diretti, molto univoci nello sviluppare l'atmosfera del disco, anche se a volte troppo sacrificati all'inveire rapido dei pezzi.

Un bel disco che possiamo etichettare nel calderone del “post-grunge” senza dimenticarne la varietà e la profondità.

Aspettiamo Le Moire al prossimo lavoro, sperando che le varie anime di questo disco prendano forme ancora più definite e si esaltino ulteriormente, magari prodotte un po' meglio.

VOTO: 79/100

Simone Giorgi

Report - Madame Sadowsky

2009-02-11T10:18:00.004+01:00

Madame Sadowsky - Live @ SpazioMusica

Ne è passata di acqua sotto i ponti dall’11 giugno 2006, data della prima esibizione pubblica dei Madame Sadowsky nel cortile del Castello Visconteo di Pavia. Esibizione acerba, ma che aveva fatto intravedere le potenzialità della cover-band pavese.

In due anni e mezzo sono successe molte cose, a partire dal fondamentale ingresso in formazione del tastierista novarese Luca Dassi. Nel corso di una trentina di concerti tenuti non solo a Pavia, ma anche a Brescia, Milano e Torino, il suono si è affinato, la scaletta ha acquisito una fisionomia più coerente e ora si può finalmente parlare di una raggiunta maturità artistica. Se ne è avuta piena conferma dal concerto tenutosi venerdì 30 gennaio scorso a Spazio Musica, storico locale pavese.

Per scelta, il gruppo ripropone i classici della New Wave senza presentare pezzi propri. Ultravox, Depeche Mode, Joy Division, Gary Numan, Japan, Cure, Bauhaus e altri rivivono così iniettati di nuova linfa grazie al già citato Luca Dassi (tastiere), al chitarrista-filosofo Alessandro Peroni, pavese DOC, e soprattutto al cantante Roger Marchi, bresciano di nascita e pavese d’adozione.

La partenza del concerto è un po’ in sordina con Gentlemen Take Polaroids dei Japan, ma già al secondo pezzo, la celeberrima New Gold Dream dei Simple Minds, si capisce che la band è in gran forma. La voce di Roger prende corpo e il numeroso pubblico si trova sempre più coinvolto.

Inutile citare i singoli pezzi eseguiti (alla fine saranno ben 23). L’attenta ricerca del gruppo fa sì che a pezzi noti anche al grande pubblico se ne alternino altri più di culto, per amanti del genere. La band procede senza cedimenti in un continuo crescendo, fino a quella che Roger definisce la “parte dance” del concerto, durante la quale, in effetti, metà del pubblico si ritrova a ballare ai ritmi ipnotici scanditi dall’eccellente programmazione delle percussioni.

Roger, smussati alcuni eccessi notati in passato, si conferma performer di gran razza e si concede generosamente alla platea con voce e atteggiamenti istrionici, perfettamente supportato da Dassi e Peroni, capaci di offrire trame sonore piene e corpose.

Degna conclusione, dopo quasi due ore di musica ad alta energia, una magica versione acustica di Spirit, classico dei Bauhaus, in cui la voce di Roger è accompagnata dalla chitarra acustica dell’ospite Paolo Montenegro, già membro dello storico gruppo wave pavese The Kerouak.

Alla fine, mentre la band canta a cappella “We love our audience”, scrosciano i meritati applausi.

Per saperne di più: www.madamesadowsky.com.

Francesco Beghi

Recensione - Reverse Angle

2009-01-26T21:46:00.007+01:00

REVERSE ANGLE

Back From Elysium

Autoproduzione - 2008

Tracklist:

1.Minor Cod
2.Under Black Fracture
3.Dominant Crimson
4.Medusa

Line-Up:
Gian Marco Babini – Voce
Diego Babini – Chitarra
Federico Alessandri – Basso
Fabrizio Cilindro – Batteria

Prima Demo per i Reverse Angle, frutto di un progetto nato oramai più di quattro anni fa, cresciuto dopo tanti cambi di line up e maturato dopo altrettanti fruttuosi concerti.
I quattro Ravennati propongono un Nu Metal completo e vario, di buona composizione, e di facile ascolto, non originalissimo (non che sia una pecca…) ma mai troppo scontato.

Le quattro tracce presenti esordiscono senza fronzoli, breve intro, riff di chitarra, rullata e sono già risucchiato in “Minor God”, trascinante e potente, molto ben arrangiata, con un crossover di rap, melodico e di urlato nelle giuste dosi. E’ un pezzo che scorre via senza stancare, attraversando vari stadi, varie sonorità, piacevoli i diversi ritornelli che traghettano verso atmosfere più d’impatto, lasciando trasparire un’attitudine sorprendentemente Heavy.

“Dominant Crimson” e “Under Black Fracture” sono di stampo “Stelle e Strisce”, perfette come singoli, con strofe aggressive e ritornelli che ti entrano in testa, e che poi difficilmente se ne vanno.

Il tutto sempre rispettando quell’equilibrio compositivo che contraddistingue “Back From Elysium”.
Chiude “Medusa 2008”, che inganna con la sua prima parte molto melodica (azzeccato l’intro carillon ) ma che smaschera quasi all’improvviso un cuore mosh core vivo e pulsante, un bel muro sonoro, convincente, che quasi matematicamente si adagia su strofa, ritornello e finale.

I Reverse Angle dunque, “sfornano” un buon prodotto finale, molto ben registrato, destinato ad un’ ampia fetta di pubblico. L’accostamento ai primi Papa Roach è di dovere, specialmente come riff ed interpretazione vocale, ma il tutto suona comunque personale e non risulta mai banale.

Molto bene la sessione ritmica di Fabrizio e Federico, precisa, con i giusti accenti. Le chitarre di Diego sono molto ben studiate in ogni loro parte, arrangiate con gusto, ma soprattutto molto aggressive e potenti.

Gian Marco mette la ciliegina sulla torta, compito non facile data la qualità musicale dei suoi compagni. Un ottimo timbro sulle parti melodiche e rap ed un urlato aggressivo quasi Hardcore.

Giovane line-up con un progetto ambizioso e valido, da costruire sopra questa solida e convincente prima Demo autoprodotta, registrata al Fear Studio di Alfonsine (Ra).

Voto: 77/100

Marco "Zeeo" Fasce

Marlene Kuntz - Si Riparte da UNO

2009-01-22T10:18:00.002+01:00

Marlene Kuntz

Uno

2007 - Virgin

Tracklist:

- Canto
- Musa
- 111
- Canzone Ecologica
- Fantasmi
- La Ballata dell’Ignavo
- Abbracciami
- Sapore di Miele
- Canzone Sensuale
- Negli Abissi fra I Palpiti

- Stato d’animo
- Uno

Come da tradizione, l’uscita di un nuovo album dei Marlene Kuntz, riesce sempre a suscitare curiosità, discussioni, a puntare le luci su di sé, e a risvegliare di nuovo l’animo dei propri fan che hanno dovuto, con non poca difficoltà, accettare i continui cambiamenti di questa magnifica creatura di nome Marlene.

Si, perché lei, Marlene, si diverte, gioca, si rivoluziona, cerca sempre di svelare lati sempre più nascosti di sé, della sua interiorità, per sperimentare e poter dare una direzione al proprio lavoro e per portare sempre più in là i propri limiti artistici, facendo in modo che i seguaci che hanno, con un po’ di problemi, accettato un cambiamento radicale che prende il nome di “Bianco Sporco”, si trovino di fronte ad un nuovo bivio e ad un nuovo cambiamento. Scordatevi capolavori quali “Cenere”, “Il Vile”, l’agressività de “Le Putte”, il noise di “Sonica”, le atmosfere cupe di “Un Sollievo”; con l’uscita di “Uno”, Marlene segna il punto definitivo di svolta, trasformando la crepa già esistente tra “Catartica” e “Bianco Sporco”, in un abisso, dando la possibilità a chi era in bilico, con un piede da una parte e uno dall’altra, di accettare questo cambiamento, questa metamorfosi che sembra essere stata metabolizzata da Marlene, o cadere nel baratro, e accantonare per un po’ il gruppo che era stato etichettato già da tempo, madre del rock italiano, mano per mano con gli Afterhours.

Proviamo invece a lasciare il passato, e a godere ogni istante dell’evoluzione di Marlene, per capirne la crescita e imparare ad ascoltare NON quello che vogliamo sentire noi, ma ciò che Godano & Co. vogliono comunicarci, e analizziamo questo nuovo, fantastico, capolavoro.

Innanzitutto ci troviamo davanti a una formazione insolita, con l’assenza, per lo meno dalla line-up ufficiale, del mèntore marleniano Gianni Maroccolo, che possiamo trovare solamente in relazione alla produzione artistica e degli arrangiamenti, sembrando a tutti gli effetti estraneo dalla formazione ufficiale. La cosa che salta più all’occhio di questo nuovo album è la figura di Cristiano Godano, nuovo cantante dei Marlene Kuntz. Scordatevi del “vecchio” Cristiano, che si contorceva e urlava, infiammando i palchi d’Italia; ora ci troviamo davanti a un Cristiano semplicemente stupefacente. È, infatti, da sottolineare e da ammirare l’immane lavoro che Cristiano ha fatto, un cambio radicale di registro della sua voce, riuscendo a dare un’incisività particolare alle liriche e alle atmosfere della nuova Marlene.

Tutto ciò ci fa rendere conto di trovarci davanti a un artista immenso, degno e veramente meritevole di questo titolo. Brano scelto per l’apertura di questo nuovo lavoro ricco di collaborazioni illustri è “Canto”: brano che parte lentamente, su giri morbidi, che sfociano in un riff di basso e chitarre dalle note ammalianti, interpretato con delicatezza da un eccezionale Godano, con risultati strabilianti.

Oltre alla collaborazione illustre di Paolo Conte al pianoforte nel secondo brano intitolato “Musa”, troviamo la partecipazione di Greg Cohen, bassista di Tom Waits, e della fantastica voce di Ivana Gatti, che si presta nei contro canti di “111”, il brano forse più violento presente in questo album, ispirato al burrascoso rapporto uomo – donna durante un matrimonio finito in tragedia.

La sperimentazione e il racconto dello sviluppo di Marlene continua, e si espande visitando terreni sconosciuti fino ad ora dalla vera essenza marleniana, Cristiano, Luca, e Riccardo; qualche primo accenno di rock lo troviamo solo con “Sapore di Miele” e in “Fantasmi”, canzone molto intensa in cui spicca l’odio e la repulsione verso il passato, lasciano trapelare dalle sue note coinvolgenti anche una leggera linea gotica; ma troviamo anche ballate, come “Canzone Ecologica” o “Canzone Sensuale”, e addirittura la Bossanova, con “Negli Abissi tra i Palpiti”, suscitando al primo ascolto qualche perplessità, ma facendo un’analisi imparziale del pezzo in sé, sono stati ricavati dei buoni risultati.

“Uno” significa punto di partenza, un nuovo inizio segnato dalla voglia di scoprirsi sempre di più, di dare alla propria arte una denominazione sempre diversa, per fare in modo che ogni nuovo lavoro sia una creazione a parte, una raccolta di emozioni, parole, melodie, e sonorità sempre nuove.

Ad un primo ascolto, “Bianco Sporco”, ha provocato in me qualche dubbio e qualche perplessità, riuscendo ad apprezzare solamente dopo tempo, il grande sforzo e il vero obiettivo che questi ragazzi stavano cercando di raggiungere. In questo caso mi sono trovato davanti alla medesima difficoltà, ma ho cercato di accantonare lo spirito Catartico veglio in me già da parecchio tempo, e vedere il tutto con un occhio imparziale verso le persone che hanno segnato la mia adolescenza, facendo in modo di dare meno retta possibile alle considerazioni di fan, ma lasciare spazio al disco, farlo parlare. Non si può trovare in ogni nuovo disco la nuova “Nuotando nell’aria”, ma ogni singola perla che la statuaria bellezza di Marlene ci regala è speciale perché è a sé, a parte, discostandosi da tutti i canoni di qualsiasi genere.

Fu ormai parecchi anni fa che venni a contatto con questo progetto con una direzione precisa e definita, che negli anni non è variata, anzi, è stata ulteriormente marcata, e da quel giorno me ne innamorai, e divenne per me trascinante e contagioso nel tempo, nonostante tutti i cambiamenti che sono stati portati. Per i Marlene Kuntz il tempo cambia, e loro cambiano con esso, ma come in un album di fotografie, ci si guarderà indietro, e si riassaporeranno i momenti e le emozioni passati, chiudendo gli occhi, e facendo fermentare i ricordi. Mai niente che potrete leggere o sentir dire riguardo a questo disco vi potrà fare capire cos’è accaduto ai Marlene Kuntz, ma sicuramente, oggi è trascinante e splendida più di un tempo, con la maturità e l’esperienza che ne hanno fatto regina, nella sua statuaria bellezza.

Simone "Keff" Caffi